jueves, 28 de marzo de 2013

Espartacus (Espartaco) - (1960) - (Director: Stanley Kubrick)



Título Original: Spartacus

Año: 1960

Duración: 196 minutos.

Nacionalidad: EE. UU.

Director: Stanley Kubrick.

Guión: Dalton Trumbo

Música: Alex North

Fotografía: Russel Metty y Clifford Stine.

Interpretes:

Kirk Douglas, Laurence Olivier, Joan Simmons, Peter Ustinov, Tony Curtis, Charles Laughton, Woody Strode, John Gavin, Herbert Lom, John Ireland.



SINOPSIS: Narra la revuelta de un grupo de esclavos -que llegarían a ser legión-, liderados por el gladiador Espartaco, contra el imperio romano. La sublevación de Espartaco de Tracia, convertido en esclavo y vendido como gladiador al entrenador Léntulo Batiato comienza cuando, tras semanas de entrenamiento para matar en la arena, lidera una rebelión de los gladiadores. Mientras se mueven de una ciudad a otra su número aumenta, pues se le van uniendo nuevos esclavos liberados. Bajo su mando intentarán llegar al sur de Italia, donde tienen previsto embarcararse para volver a sus hogares.

Premios:

1961: 4 Oscar: Actor secundario (Peter Ustinov), fotografía (Ex-aequo), dirección artística (ex-aequo), vestuario (ex-aequo).

1961: Globos de Oro: Mejor película: Drama.

COMENTARIOS:


Como ya estamos Semana Santa, me ha parecido buena idea recordar esta película tan ligada a esas fechas como ¡Qué bello es vivir!, a la Navidad.



Tras ‘Senderos de gloria’ (‘Paths of Glory’, 1957), cuyo estreno estuvo prohibido en muchos países durante años, Stanley Kubrick no tenía demasiadas oportunidades para dirigir otra película. Fue precisamente el protagonista principal de esta última, Kirk Douglas, quien pensó en el director neoyorquino para hacerse cargo de una monumental superproducción en la línea de las que solían hacer en aquella época dentro del cine histórico. Films como ‘Quo Vadis’ (id, Mervin LeRoy, 1951), ‘La caída del Imperio Romano’ (The Fall of the Roman Empire’, Anthony Mann, 1964), ‘Rey de reyes’ (‘King of Kings’, Nicholas Ray, 1961), ’55 días en Pekín’ (‘55 Days at Peking’, Nicholas Ray, 1963) o la multipremiada ‘Ben-Hur’ (id, William Wyler, 1959) están en la memoria de cualquier cinéfilo.



El realizador Stanley Kubrik fue el firmante de un film que empezó dirigiendo Anthony Mann, pero que acabó en sus manos por la mediación de la estrella y productor de la película: Kirk Douglas. Esta fue la única vez que Kubrik hizo una concesión puramente comercial en su filmografía. Y es que el film es lo que se dice un "Peplum" en toda regla: un reparto lleno de estrellas (Douglas ya mencionado, Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, Tony Curtis, Laurence Olivier, John Gavin, Woody Stroode, John Ireland), una recreación de un hecho histórico, y algo más de tres horas por delante para disfrutarla. Entre finales de los 50 y los 60 Hollywood echó el reto en superproducciones mastodónticas con las que intentaba mantener su predominio mundial en la industria cinematográfica. Durante largo tiempo, Stanley Kubrick renegó de Espartaco por considerarla una obra fallida. También es cierto que al final fue capaz de admirar el trabajo que él mismo había hecho.
Y es que Espartaco es una de las mejores películas del subgénero del Péplum. Una demostración clara de que el cine comercial y el mensaje con contenido se podían conjugar de una manera artística.


Es curioso porque los primeros 15 minutos, las secuencias ambientadas en la pedrera, no pertenecen a Kubrick, sino a Athony Mann (un gran director de Westerns) pero este tuvo desavenencias con Kirk Douglas y el actor puso presión a la productora para que lo despidieran. Sí, el ego de Douglas era grande y además contaba con una importancia considerable, pero la Universal sabía que el éxito estaba casi asegurado y se doblegaron ante sus exigencias. Ya Douglas había trabajado con Kubrick en Senderos de Gloria y los dos habían formado una pareja tremenda. Desgraciadamente Espartaco, como muchas de las grandes superproducciones históricas, exigió demasiado a todo el equipo y la relación entre los dos se degradó al extremo. Douglas lo definió en una frase: “Kubrick es una mierda con talento”.

Por otro lado el guión es un claro canto a la libertad. Y es muy dignificante saberlo pues la apuesta era arriesgada. La caza de brujas estaba en plena ebullición y el senador MacArthur había señalado a muchos artistas que trabajaban en Hollywood. Dalton Trumbo, era uno de ellos. Ya la novela de Howard Fast era un foco de rebelión hacia el stablishment norteamericano pero Trumbo fue capaz de elevar el guión a la categoría de arte. Los diálogos pese, a que mimetizan el vocabulario e intentan semejarse a las condiciones de la época, esconde una carga política evidente. Espartaco no es un mero esclavo liberado, es el símbolo de una generación que se opone ante lo que el régimen establece como normal, que no tiene porque ser ético.




El rodaje fue una pelea de gallos. Estaba claro que iba a ser una pelea de egos, sólo viendo el reparto era más que evidente. Reparto que seguramente sea unos de los mejores de la historia: Kirk Douglas, Peter Ustinov, Tony Curtis, Laurence Olivier, Jean Simmons, Charles Laughton, Woody Strode, John Gavin..Como para quitarle a uno el hipo de golpe. Pese a que cada uno de ellos intentó acaparar más protagonismo que el otro y que entre todos hicieron que el rodaje fuera un poco más caótico de lo que ya lo estaba siendo (por cierto muchos escenarios están ambientados en España).

Kubrick de hecho se sintió como un general. Muévanse por aquí, los extras por allá, que se monte esto así…Una superproducción de estas características requería un mando férreo que fuera capaz de aglutinar todo el personal. Seguramente se sintió como un pez en el agua aunque se trató de una experiencia agotadora. Realizó para la película una de las direcciones menos Kubrickianas que conocemos, aunque esto por sí mismo no lo hemos de tener en cuenta como aspecto negativo. Muchas veces se ha denostado a la película por considerarla como una obra impersonal, cuando se trata de una injusticia generalizada. Además pese a que el toque Kubrick cuesta de distinguir entre escenas de pompa y circunstancia, si observamos un saber hacer que serviría al director como prueba de fuego. De hecho la experiencia que acumuló le sirvió para futuras experiencias.


Hay escenas que demuestran un trabajo delicado detrás las cámaras. Secuencias magistrales como el travelling en la que Espartaco conoce a Varinia, una demostración de tacto y sensibilidad perfecta. Pero la que se nos quedará a la memoria a todos es en la que todos los hombres libres (porque me niego a utilizar la palabra esclavos) demuestran su honor poniéndose al lado de Espartaco.

Sin duda una de las mejores películas épicas que se han hecho, un gran símbolo del cine clásico holywoodense, de la mano de un joven Kubrick quien supo desarrollar muy bien el sentimiento de libertad anhelado por el protagonista. Una antesala de lo que realizaría más adelante el genio Stanley.

Tráiler:





Calificación: 4 de 6.

miércoles, 27 de marzo de 2013

Trouble with the Curve (Golpe de efecto) - (2012) - (Director: Robert Lorenz)



TÍTULO ORIGINAL: Trouble with the Curve
AÑO: 2012 
DURACIÓN: 111 min. 
PAÍS: EE.UU. 
DIRECTOR: Robert Lorenz.
GUIÓN: Randy Brown.
MÚSICA: Marco Beltrami.
FOTOGRAFÍA: Tom Stern.
REPARTO:
Clint Eastwood, Amy Adams, Justin Timberlake, John Goodman, Matthew Lillard, Robert Patrick, Chelcie Ross, Bob Gunton, Scott Eastwood, Ricky Muse.
SINOPSIS:
Un veterano ojeador de béisbol de edad avanzada (Clint Eastwood), que está perdiendo poco a poco la vista, viaja con su hija (Amy Adams) hasta Atlanta para observar a un joven talento. Las relaciones entre padre e hija son bastante conflictivas. Convincente retrato de la vejez y de su progresivo aislamiento respecto a las nuevas generaciones. Debut en la dirección de Robert Lorenz, ayudante de dirección de Eastwood, con quien trabajó en 'Los puentes de Madison', 'Mystic River' y 'Million Dollar Baby'.



COMENTARIOS:
Clint Eastwood retorna a la interpretación, tras anunciar su retirada ante las cámaras con "Gran Torino". El motivo de su vuelta ha sido el debut en la dirección de su amigo y ayudante de dirección y productor durante muchos años, Robert Lorenz, en su debut tras la cámara. Hablamos de "Golpe de efecto".

"Golpe de efecto" cuenta la historia de Gus Lobel (Clint Eastwood), un veterano cazatalentos del mundo del béisbol, que ve como su salud empieza a deteriorarse con la edad y como sus compañeros le insinúan que debería retirarse. Pero él, tozudo y gruñón, seguirá haciendo lo que mejor sabe hacer y contará con la inesperada ayuda de su hija Mickey (Amy Adams), obsesionada con su trabajo en un bufete de abogados y con la que ha mantenido una relación distante tras la muerte de su madre. Pero a ambos les une el amor al mismo deporte.
Esta película no viene dirigida por Clint Eastwood, que tras su ajetreada carrera en los últimos años parece haberse tomado un respiro en sus labores de director, aunque los temas del filme encajan como un guante en buena parte de su filmografía. La relación difícil con la hija, el aprendizaje vital de la misma, la esposa fallecida a la que Eastwood sigue recordando, el protagonista cascarrabias de buen corazón o los jóvenes pusilánimes que quieren arrebatarle el puesto al bueno de Clint recuerdan a cintas como "Million dollar baby", "Sin perdón" o "Gran Torino", sin ir más lejos.

Robert Lorenz da buena muestra de haber sido compañero y discípulo de Eastwood y cuenta la historia más o menos como lo haría Eastwood, con una trama de toques dramáticos suavizada con el humor y la ironía de su protagonista, una visión sencilla (que no simple) de las relaciones humanas y su búsqueda del sentimiento (que no del sentimentalismo, aunque hay algunos subrayados musicales que sobran). El mismo Lorenz dice que ha seguido consejos de Eastwood y el método de rodaje que siempre aplica Clint (con el mismo director de fotografía y el mismo montador), de hacer pocas tomas de las escenas para no aburrir a todo el mundo y mantener la tensión.
También las actuaciones son uno de los puntos fuertes. Eastwood se mueve como pez en el agua en un personaje de tipo duro que oculta sus sentimientos, un personaje que ha venido interpretando muchas veces a lo largo de los años con bastante acierto. Resulta también muy agradable ver el crecimiento como actriz de Amy Adams, que empezó su carrera en papeles de chica naif y algo ñoña y últimamente está dejando ver que puede dar vida con convicción a mujeres más duras. Su química con Eastwood es más que notoria, no tanto con Justin Timberlake, que interpreta a una antigua leyenda del béisbol que cruzará su camino con el de padre e hija y que no lo hace mal. No quiero olvidar tampoco la excelente labor de secundarios como John Goodman o Robert Patrick, que ayudan al buen acabado de la película.


Así pues, un filme que se deja ver con agrado, que no descubre nada nuevo y que no llega a las cotas de otras obras magnas de Clint Eastwood,  pero que supone disfrutar un poco más del carisma y el buen hacer de Eastwood, que aún tiene cosas que decir.

Tráiler:



Calificación: 3 de 6.

martes, 26 de marzo de 2013

Imágenes y frases de cine: "El diario de Noa"




Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:
"En tiempos de desdicha y sufrimiento, te abrazaré, te acunaré y haré de tu dolor el mío. Cuando tú lloras, yo lloro, cuando tú sufres, yo sufro. Juntos intentaremos contener el torrente de lágrimas y desesperación, y superar los misteriosos baches de la vida."

(El diario de Noa)

lunes, 25 de marzo de 2013

Io sono Li (La pequeña Venecia - Shun Li y el poeta) - (2011) - (Director: Andrea Segre)



TÍTULO ORIGINAL: Io sono Li
AÑO: 2011
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS: Italia.
DIRECTOR: Andrea Segre
GUIÓN: Marco Pettenello, Andrea Segre.
MÚSICA: Sara Zavarise.
FOTOGRAFÍA Luca Bigazzi.
REPARTO:
Tao Zhao, Rade Serbedzija, Marco Paolini, Roberto Citran, Giuseppe Battiston
PREMIOS:
2011 Premios David di Donatello: Mejor actriz (Tao Zhao). 4 Nominaciones.
2011: Festival de Sevilla: Premio Eurimages.
2012: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor música.
SINOPSIS:
Shun Li es una mujer china, que tras trabajar un tiempo en Roma en la industria textil, es "destinada" a un pueblito de pescadores muy próximo a Venecia, para que regente un bar que frecuentan los lugareños. Atada a las mafias chinas que le permitieron emigrar, ahora debe seguir ligada a lo que toque si desea que su hijo de ocho años, que vive con el abuelo en China, pueda reunirse con ella un día: debe esperar la feliz noticia de que se permite viajar al chaval. Gracias a su amabilidad y buen corazón trabará amistad con Bepi, un anciano pescador apodado "el poeta" porque le gusta hacer rimas para divertir a sus amigos; aunque puede que albergue en su interior una auténtica alma de poeta. La relación que se establece entre ellos es una especie de huida poética de la soledad, un diálogo silencioso entre dos culturas distintas, pero no muy distantes. Lo malo es que ni los chinos ni los lugareños ven bien su relación y tratan de obstaculizarla.

COMENTARIOS:



La pequeña Venecia (Shun Li y el poeta) (2011). Otra pequeña joya que pasa por nuestros cines con más pena que gloria, las grandes producciones americanas copan las carteleras, a pesar de la baja calidad en la mayoría de los casos.

La belleza de las historias cotidianas alcanza su auge cuando un relato de apariencia sencilla adquiere significación, cuando se miman cada uno de los detalles que hacen que una vida común adquiera un gran valor emocional.

Este film italiano camina dentro de esa vereda. La película se adentra en las emociones de dos personajes solitarios, luchadores, amantes de la vida, que aunque de países y culturas muy diferentes, desean conocerse y amarse, para apagar el dolor que llevan a cuestas y poder sentir el aprecio de un alma casi gemela que se funde contigo de un modo casi poético en el silencio de la vida. Esta significación adquiere valor en el ambiente tan bien definido de la película, en las miradas, los sonidos, las palabras, en el deseo por medir cada rayo de luz, cada bella imagen de ese mar que se convierte en un personaje más, y que adquiere un valor magistral por esa notable fotografía, que da forma a las imágenes.

 
Imágenes llenas de verdad y honestidad que suavemente se deslizan al compás de una cálida partitura, y en las que dos actores realmente honestos, entregan sus emociones al compás del silencio, apagando sus voces y ofreciendo mediante sus miradas todas las emociones.

Muy importante en la película está la parte documental, la que refleja las condiciones de vida, de trabajo, los contratos mafiosos que sufren muchos chinos de los que vemos en cualquier sitio de cualquier pueblo o ciudad de Europa. 

¿Qué hace un chino, en este caso una china, en Chioggia, región del Véneto? Pues pagar una deuda, la de su viaje, trabajando en lo que la mafia decide y cobrando lo que le quieran dar y las horas que haga falta, y te preguntas, ¿por qué vendrán si en China se hace todo lo que consumimos?. La respuesta solo puede ser una: porque aquí, a pesar de todo, se vive mejor.
Ambientada en Chioggia, un pequeño pueblo sustentado en parte gracias a su actividad pesquera, La pequeña Venecia nos introduce en una de esas historias sencillas a la par que sensibles donde ese encantador lugar se comporta como un personaje más. Para que así sea, Segre deja estampas que logran encandilar más que por su belleza por lo particular de las mismas, pues Choggia flota, como Venecia, sobre las aguas y de ello se aprovecha el realizador transalpino para juguetear con la romántica idea de una ciudad que convive con las inundaciones como si no existiese mañana.
 
Shun Li es una mujer china que trabaja en una fábrica textil en las afueras de Roma. Ha dejado a su hijo con su padre en su país y trabaja incansablemente para devolver el dinero que le pide la mafia. Cuando salde su cuenta, le llevarán a su hijo con ella. Un día le dicen que tiene que irse a trabajar a un bar, en un pueblo pesquero en la laguna de Venecia. Es un bar de puerto al que acuden los pescadores de la zona. Entre ellos se encuentra Bepi, al que conocen como ‘el Poeta’. Él es eslavo, pero le ha aceptado esa comunidad, con la que ha convivido treinta años y en la que ha hecho su vida. Sin embargo, el grupo que controla a los trabajadores chinos y los prejuicios de los habitantes del pueblo ponen las cosas difíciles para Shun Li y Bepi, cuando estos comienzan una relación que los demás no ven con buenos ojos. Su vínculo es, en palabras del director, “una escapada poética de la soledad, un diálogo entre dos culturas que, aunque diferentes, no son tan distantes”.
Sorprendentemente, y pese a tener visos para ello, “La pequeña Venecia” no empieza a hacer gala de su componente social hasta bien avanzada la película, y es que aunque nos encontramos ante un retrato que nos habla en parte sobre el funcionamiento de esas mafias, el cineasta italiano prefiere centrar sus esfuerzos en construir esa relación entre Shun Li y Bepi, que terminará siendo el principal motor de una cinta a la que en ese sentido se podría tildar, en parte, de previsible por repetir esquemas y ofrecer soluciones ya vistas pero, sinceramente, sería injusto dado la honestidad y candor de una obra que en todo momento se siente más cerca de lo que cualquier espectador ya acostumbrado a este tipo de cintas podría esperar.
 
A través de esa relación, se nos habla acerca de las raíces de ambos protagonistas como parte realmente significativa de sus vidas pero, más importante todavía, como nexo entre dos personajes que no se podrían sentir tan próximos el uno del otro de no ser por ese factor. Con ese vínculo afectivo de por medio, que los acerca, se entreteje una amistad donde los orígenes de cada uno entran en escena ya sea a través de diálogos, fotos o una nostalgia que nunca se torna lo suficientemente compasiva como para tomar una senda sensiblera que Segre evita en todo momento.
Aun así, los únicos méritos de “La pequeña Venecia” no quedan tras una historia de comprensión y apoyo, también se encuentran en la descripción de una situación verdaderamente delicada huyendo en todo momento de un planteamiento maniqueo que hubiese enterrado, en buena parte, las posibilidades de una propuesta que incluso hace bien intentando no contextualizar (más allá de los detalles debe obtener el espectador para establecer el pacto ficcional) ni posicionar al espectador; el relato se muestra de este modo cristalino y pocos achaques se le pueden realizar a un film en el que se siente algo que hoy en día los realizadores reivindican en exceso acerca de sus creaciones, pero aquí parece existir sin más: el cariño.


A resumidas cuentas, agradable pequeña obra la que nos regala el director italiano, que además nos aproxima un poco más a un mundo pudoroso y reacio a la mostrarse, siempre interesante por desconocido. Con todo, y a pesar del título, La pequeña Venecia bien vale una bueno ojeada, film que nunca está de más, de dosis exactas medidas para dejar un rastro ligero pero duradero.

El debut en largo de ficción de Andrea Segre es una de esas pequeñas delicias que merece la pena no perderse, tanto por lo cálido de la propuesta, como por distintos aspectos que nos llevan desde el magnífico trabajo de sus actores (entre los que se encuentra, en el rol de Bepi, al internacional Rade Serbedzija) hasta la proximidad de una historia que, pese a poder resultar lejana (ya sea por la no-vivencia de una experiencia de esas características o por los distintos elementos sociales que en él se encuentran, y que estamos más acostumbrados a ver de modo frío y distante —a través de la televisión—), en manos de Segre logra insuflar vida a un celuloide que parece tocado por la varita de un auténtico artesano. Habrá que seguir viendo si le queda grande la etiqueta al italiano, o si en posteriores trabajos da fe de lo demostrado en este.

Una obra para sentir y que te dejará atrapado.

Tráiler:


Calificación: 5 de 6.

domingo, 24 de marzo de 2013

Imágenes y frases de cine: "Argo"



Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:

Lester Siegel: Dice el refrán: “Lo que empieza en farsa termina en tragedia”

John Chambers: No, es al revés.

Lester Siegel: ¿Quién dijo eso exactamente?

John Chambers: Marx.

Lester Siegel: ¿Groucho dijo eso?

(Argo)

viernes, 22 de marzo de 2013

Imágenes y frases de cine: “Encadenados”



Un fotograma, una frase, una imagen, un instante….para el recuerdo:
 
Ingrid Bergman - Nuestro amor es bastante extraño...
Cary Grant - ¿Por qué?
Ingrid Bergman - Porque a lo mejor tú no me quieres.
Cary Grant- Cuando deje de quererte  ya te avisaré.
Ingrid Bergman - Pero... ¿me quieres?
Cary Grant   - Los actos importan más que las palabras.
Cary Grant e Ingrid Bergman (Encadenados)

Estrenos de la semana: 22-03-2013


 
Título: La cocinera del presidente
Género: Biopic, Comedia

Nacionalidad: Francia
Director: Christian Vincent

Reparto: Catherine Frot, Arthur Dupont, Jean d'Ormesson, Hippolyte Girardot, Jean-Marc Roulot, Philippe Uchan, Laurent Poitrenaux, Hervé Pierre, Brice Fournier, Roch Leibovici, Thomas Chabrol, Arly Jover, Joe Sheridan, Louis-Emmanuel Blanc, David Houri .

Sinopsis: Hortense Laborie, una renombrada cocinera del Périgord, no acaba de creerse que el presidente de la República la haya nombrado su chef particular y que deberá encargarse de todas sus comidas privadas en el Palacio del Elíseo.

A pesar de los celos y envidias de numerosos miembros del personal de cocina, Hortense no tarda en hacerse respetar gracias a su genio. La autenticidad de sus platos seduce al presidente, pero los pasillos del poder están trufados de trampas.

Basada en la vida de Danièle Delpeuch (aunque añadiendo elementos inventados), una mujer cuya vida describe la describe Etienne Comar como: es una serie de rupturas, de compromisos impulsivos. Era agricultora, dejó su profesión y a su marido, algo que no se hacía en su ambiente en la época; fue una de las primeras en organizar "fines de semana foie y trufas" en la granja a principios de los años 70; se fue a Estados Unidos a dar clases de cocina. Luego vino el episodio del Eliseo, seguido por un año en la Antártida. Tiene un nuevo proyecto, conseguir que crezcan trufas en Nueva Zelanda. Es una aventurera que siempre ha ligado su vida a la cocina.

 

 

Título: Érase una vez en Anatolia
Género: Drama

Nacionalidad: Turquía

Director: Nuri Bilge Ceylan

Reparto: Muhammet Uzuner, Yilmaz Erdogan, Taner Birsel, Ahmet Mumtaz Taylan, Firat Tanis, Ercan Kesal, Erol Erarslan, Murat Kilic, Safak Karali.

Sinopsis: En el corazón de las estepas de Anatolia, un asesino intenta guiar a un equipo de policías hasta el lugar donde enterró al cuerpo de su víctima. En el curso de este viaje, una serie de pistas sacarán la verdad a la superficie...

 

 

Título: Incompatibles
Género: Comedia

Nacionalidad: Francia
Director: David Charhon.

Reparto: Omar Sy, Laurent Lafitte, Sabrina Ouazani, Lionel Abelanski, Youssef Hajdi, Maxime Motte, Léo Léothier, André Marcon, Zabou Breitman, Patrick Bonnel, Roch Leibovici, Rebecca Azan, Tchewk Essafi, Patrick Kodjo Topou, Samuel Goreini .

Sinopsis: Una mañana al amanecer, en un suburbio de Bobigny, cerca de un local de apuestas clandestinas, es encontrado el cuerpo sin vida de Eponine Chaligny, esposa de Jean-Éric Chaligny, uno de los hombres más influyentes de Francia, en medio del clima social extremo que sacude a Francia las últimas semanas.

Esa mañana dos mundos opuestos se cruzarán: Ousmane Diakité, oficial de la sección financiera de Bobigny, y François Monge, capitán de la policía judicial de París. 

Su investigación les llevará a ambos lados de la periferia: desde las operaciones de guante blanco y dinero fácil del centro financiero de París hasta los negocios  clandestinos  de  la  barriada  de  Bobigny.  Dos  mundos  en  los  que ambos policías deberán superar sus diferencias de clase... ¡antes de que este caso acabe también con sus vidas!

 

 

Título: Los Croods
Género: Animación, Aventuras, Comedia.

Nacionalidad: USA

Director: Kirk De Micco, Chris Sanders

Reparto: (Voces) Nicolas Cage, Ryan Reynolds, Emma Stone, Catherine Keener

Sinopsis: Los Croods: una aventura prehistórica es una aventura cómica en 3D que sigue los pasos de la primera familia moderna del mundo durante el viaje de su vida. Cuando la caverna que siempre ha sido su hogar es destruida -al igual que el resto de su mundo poco después- los Croods se ven obligados a emprender el primer viaje familiar por carretera (o más bien sendero). Sacudidos por choques generacionales y por movimientos sísmicos, los Croods descubren un increíble nuevo mundo, lleno de fantásticas criaturas, y un futuro que supera cuanto habían imaginado.

 

 

Título: Por la Cara
Género: Comedia

Nacionalidad: USA

Director: Seth Gordon

Reparto: Genesis Rodriguez, Jason Bateman, Amanda Peet, Jon Favreau, John Cho, Melissa McCarthy, Maggie Elizabeth Jones, Ben Falcone, Morris Chestnut, Eric Stonestreet, Justin Wheelon, Clark Duke, T.I., Mary-Charles Jones, Andrea Moore.

Sinopsis: JASON BATEMAN (Cómo acabar con tu jefe), y MELISSA McCARTHY (La boda de mi mejor amiga), encabezan el reparto de Por la cara, una comedia llena de estrellas en la que un tipo normal se ve obligado a tomar medidas extremas para limpiar su nombre. Después de que le roben su identidad, está a punto de perder la cabeza al descubrir que debe un montón de dinero.

Un crédito ilimitado ha permitido que Diana (Melissa McCarthy) viva a lo grande a las afueras de Miami, donde esta reina de las compras ha podido hacerse con todo lo que le apetecía. Solo hay una pega: la identidad que usa para financiar dichas compras es la de Sandy Bigelow Patterson (Jason Bateman), un comercial que vive en la otra punta de Estados Unidos.

 

 

Título: The Host (La Huesped)
Género: Thriller Fantasía

Nacionalidad: USA

Director: Andrew Niccol

Reparto: Saoirse Ronan, Diane Kruger, Jake Abel, Max Irons, Frances Fisher, William Hurt, Chandler Canterbury, Boyd Holbrook, Stephen Rider, Scott Lawrence, David House, Jaylen Moore.

Sinopsis: En un futuro no muy lejano, una invasora alienígena y una humana que conviven en un mismo cuerpo luchan por la supervivencia, por los hombres de los que están enamoradas y por el destino del planeta. La huésped es una aventura romántica de ciencia ficción, una historia de amor y sacrificio, basada en la novela superventas del mismo nombre firmada por Stephenie Meyer, autora de la saga Crepúsculo.
La Tierra ha sido colonizada por las almas, unos viajeros interplanetarios que arrebatan a los seres humanos sus cuerpos para ocuparlos como huéspedes. Esta especie alienígena ha transformado el planeta en un mundo sano, seguro y pacífico, pero a un precio enorme: la mayor parte de la humanidad ha sido erradicada, y sólo unos pocos han sobrevivido manteniéndose ocultos, en una constante lucha por evitar ser capturados y aniquilados.

Uno de ellos es Melanie (Saoirse Ronan), una joven de fuerte personalidad que intenta matarse para evitar ser capturada por los buscadores, las almas encargadas de encontrar cuerpos humanos que puedan alojar a nuevos alienígenas. Sin embargo, Melanie sobrevive milagrosamente y un alma llamada Wanderer es implantada quirúrgicamente en su cuerpo.

 

 


Título: Una bala en la cabeza
Género: Thriller Acción.

Nacionalidad: USA.

Director: Walter Hill.

Reparto: Sylvester Stallone, Jason Momoa, Christian Slater, Sarah Shahi, Sung Kang, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Jon Seda, Brian Van Holt, Holt McCallany, Dominique DuVernay, Marcus Lyle Brown, Weronika Rosati, Don Thai Theerathada, Don Yesso, John L. Armijo.

Sinopsis: Jimmy Bobo (Sylvester Stallone) es un asesino a sueldo de Nueva Orleans con un código ético muy particular. Tras su último trabajo, sufre un ataque inesperado por parte de Keegan (Jason Momoa), una imparable máquina de matar que ejecuta sin contemplaciones a su compañero (Jon Seda). Dispuesto a tomarse su venganza, Jimmy se verá obligado a colaborar con Taylor Kwon (Sung Kan), un detective de la policía, no muy acostumbrado a los métodos expeditivos. Aunque pronto descubrirá que Jimmy es el arma más eficaz para acabar con una peligrosa organización que ha corrompido a la policía y las altas esferas de la ciudad.

Walter Hill vuelve a ponerse tas las cámaras para dirigir la adaptación de la novela gráfica del mismo título, protagonizada por Sylvester Stallone, Thomas Jane (La niebla de Stephen King, The Punisher) y Karl Urban (Dredd, El sicario de Dios, RED).

miércoles, 20 de marzo de 2013

Robert Redford - Biografía (Robert Redford - Biography)




Actor, director, productor, galán, mecenas... Robert Redford siempre ha sido un alma inquieta, incluso en los temas trascendentales, comulgando con varias creencias, desde los mormones hasta el budismo que hoy práctica.


“El sentimiento de culpa y una curiosidad insaciable son dos sensaciones muy catárticas que me mantienen vivo y alerta”. Ecologista acérrimo, comprometido con los más desfavorecidos, en su mirada conserva el brillo azul intenso del galán que conquistó a medio mundo y la perspicacia que le ha llevado a considerarlo, sin duda alguna, uno de los iconos de la historia del cine.

BIOGRAFÍA:

Charles Robert Redford Jr. nació un 18 de agosto de 1936 en Santa Mónica (California), criándose en el barrio hispano de la ciudad. Su padre, Charles Robert era católico de origen irlandés, sacaba a la familia adelante trabajando como lechero, mientras que su madre, Martha era ama de llaves. En la década de los 50, Charles Robert consiguió trabajo en la empresa petrolífera Standart Oil, pudiendo trasladar a la familia a un suburbio de clase media en el valle de San Fernando.
Robert contaba: "Mi familia es de origen irlandés - escocés. Ellos vinieron del viejo mundo y trajeron consigo el amor por las palabras y el placer de contar historias, pero también llevaban consigo un absoluto rechazo acerca de hablar sobre cuestiones personales y un fuerte estoicismo para enfrentar la adversidad. Ellos nunca jamás se quejaron de algo. Yo tuve que encontrar la manera de dejar las emociones, porque sea cual fuere la emoción que sintieras, éstas no eran invitadas a la mesa familiar".
En 1955, tras enfermar de cáncer, su madre moría con 51 años, justo el año en que Robert Redford terminaba sus estudios elementales. A pesar de ser un buen estudiante, destacado por sus capacidades atléticas, gracias a las cuales consiguió una beca por béisbol en la Universidad de Colorado, dónde pretendía estudiar arte, la pérdida de su madre con sólo 18 años le marcó profundamente. Las pandillas y el alcohol sustituyeron su pasión por el deporte, entrando en una espiral de la cual resultaba difícil salir.
"El descenso de la muerte"

Ingresó en la American Academy of Dramatic Arts en Nueva York y al poco tiempo conoció a la que sería su mujer durante 27 años. En 1958, en California, conoce a una joven de 18 años, Lola Van Wagenen. Ella es mormona y originaria de Utah, y estaba de vacaciones. Se enamoraron a primera vista y se casaron el 12 de septiembre de ese mismo año. Él pudo curarse y dejar el alcohol. Más tarde, continúa sus estudios en el Instituto Pratt de Nueva York.
Una de las materias de la carrera era escenografía; comenzó a despertar su interés por el teatro e ingresó en la American Academy of Dramatic Arts. Ese año, tuvieron un bebé que muere de muerte súbita mientras dormía con apenas dos meses; frente a esta tragedia los dos intentan de nuevo ser padres.
Robert Redford empezó trabajando en un pequeño papel en la obra teatral Tall Story, una comedia de Howard Lindsay basada en una novela de Howard Nemerov. El 15 de noviembre de 1960, nació su hija Shauna. Trabajó para la TV en las series Ruta 66, La dimensión desconocida, La ciudad desnuda, Alfred Hitchcock presenta, Perry Mason, Maverick, Playhouse 90 y Los intocables, entre otros.
"Soldado o cazador"

El 5 de mayo de 1962 nació su hijo David James, que participó en su primera película War Hunt, protagonizada por John Saxon, film bélico dirigido por Denis Sanders. En ella conoció a Sydney Pollack, quien también aparecía en el reparto, uniéndoles una gran amistad que les llevaría a colaborar en 6 películas.
Su primer papel protagonista en Broadway fue Sunday in New York, comedia de Norman Krasna. A continuación volvió a actuar en Broadway, en la obra “Descalzos por el parque”, dirigida por Mike Nichols, quien impuso la participación de Redford, a quien había visto en la televisión. Esta obra de teatro le convirtió en estrella de Broadway. Fue el trampolín perfecto hacia Hollywood, donde fue contratado en 1964. En sus cuatro primeras películas hizo papeles secundarios y le proporcionaron un éxito digno de mención. Estas películas fueron “La rebelde”, “La jauría humana”, “Situación desesperada, pero menos” y “Propiedad condenada”. El 22 de octubre de 1970 nació su hija Amy Hart mientras filmaba Little Faus and Big Halsy.
En 1966 Redford se trasladó a España para comenzar una vida bohemia. Pero en ese mismo año le ofrecieron un papel como protagonista en la versión cinematográfica de “Descalzos por el parque”, junto a Jane Fonda que fue un gran éxito.
En 1969, Redford y Paul Newman formaron equipo para protagonizar el Western, "Dos Hombres y un Destino". Dirigida por George Roy Hill, la película se convirtió al instante en un clásico y estableció firmemente la posición de Redford como uno de los personajes más destacados de la industria. Él, Newman y Hill volvieron a reunirse en "El Golpe", que consiguió siete Oscars, incluidos el de la Mejor Película, además de valerle a Redford su candidatura al Mejor Actor.
"Dos hombres y un destino"

En 1971 protagonizó “El candidato”, dirigida por Michael Ritchie, en la que se narra la historia de un abogado idealista que lucha por ganar un lugar en el senado de California sin convertirse en un político. Redford nos confesó en un reportaje: "Yo no soy un activista, no soy un tipo que pueda pertenecer a un movimiento. No creo en el comportamiento grupal, ni en el pensamiento grupal, ni en las actividades grupales. No es que esté en contra de eso, sencillamente no es para mí. Mis aspiraciones se remiten al deseo de vivir en una tierra que no esté envenenada por la contaminación o corrompida por una serie de nefastos sistemas. Soy incapaz de pensar en términos de movimientos".
De esa mima época es “Un Diamante al Rojo Vivo” (1972). En 1973 tras ser nominado al Oscar como mejor actor por su interpretación “El golpe” y convertirse en el actor más codiciado de Hollywood, protagoniza “Tal como éramos” junto a Barbra Streisand, el film tuvo un importante éxito de público y crítica, hoy convertido en film de culto. Se comentaba que ellos tenían un ardiente romance. Al poco tiempo se lo involucró con Mia Farrow.
De 1976 es “Todos los hombres del presidente”, película sobre el caso Watergate. Robert se había interesado por el caso Watergate, buscando información y pagando 450.000 dólares por los derechos de la historia. La película la interpretó él, junto a Dustin Hoffman. En ese mismo momento, se rumoreaba que Lola, la mujer de Redford, andaba en amoríos con Hoffman. Robert decide aferrarse al trabajo y deja de ver a su familia. Entonces, Lola lleva a sus hijos a Utah. El actor sigue trabajando.
"Todos los hombres del presidente"

En 1980 Conseguidos sus propósitos como intérprete se marcó nuevas metas y dirigió "Gente corriente", su primer filme como realizador. Con esta cinta ganó el Oscar a la mejor película y al mejor director (curiosamente como actor no había conseguido ninguna estatuilla) y desde entonces ha intercalado sus apariciones delante y detrás de la cámara.
En 1981, para promover el cine independiente, funda la Organización Sundance. Hoy, con más de 20 años de permanencia, es una de las principales plataformas del cine estadounidense. De su cantera han salido películas como Reservoir Dogs o Boys Don’t Cry y directores como los hermanos Cohen o Steven Soderberg. En 1985 se divorcia de Lola, después de 27 años de matrimonio.
Al otro año, se enamora de una compañera de filmación, Debra Winger, de “Peligrosamente juntos”, pero dura poco tiempo esa relación debido a que ella lo deja por un joven actor que él le había presentado, Timothy Hutton, con quien decide casarse. Más tarde, se va a vivir con la modelo francesa Nathalie Naud, de 25 años y con la que se lleva 26 años de diferencia. Después se lo relacionó con Sonia Braga. Desde 1990 sale con la pintora alemana Sibylle Szaggars. En 1991, fue abuelo por primera vez.
En 1988 vuelve a colocarse detrás de la cámara con la excelente “Un lugar llamado milagro” y en 1992 se consolida en la dirección con “El río de la vida” con Brad Pitt.

En 1994, fue nominado al Oscar por la dirección de “Quiz Show” y en 1998 dirige “El Hombre que Susurraba a los Caballos”, Robert Redford acompañado de un magnífico elenco de actores, tales como Kristin Scott Thomas, Sam Neill, Dianne Wiest, Scarlett Johansson, Chris Cooper, convierten esta película en su obra más madura muy en línea con todos sus trabajos, cine humanista, ecologista, de ritmo pausado y hermosos paisajes.
En el año 2000 nos vuelve a sorprender con esta fascinante historia sobre la vida de Rannulph Junuth, “La leyenda de Bagger Vance”, una joven promesa del golf que pierde su magistral swing tras estar en primera línea de guerra. Considerado por la crítica deportiva como uno de los más grandes deportistas de todos los tiempos, Junuth se verá atraído por la dulce y guapa, Adele. Todo parece ser perfecto para esta pareja llena de éxito y amor. Pero todo cambiará drásticamente cuando Junuth tiene que marchar al frente. A su regreso, la situación ha cambiado y el golf y Adele han pasado al olvido por culpa del alcohol. Pero milagrosamente Junuth contará con la ayuda de un misterioso caddy llamado Bagger Vance para encontrarse a sí mismo, recuperar su pasión por el golf y volver a conseguir el amor de Adele...


Robert Redford regresa a la gran pantalla para sacudir los cimientos de la política internacional de Estados Unidos con 'Leones por corderos', una película donde participa como actor y director. "Nos cuenta todo lo que la mayoría ya sabemos, incluyendo el hecho de que los políticos mienten, los periodistas fracasan y la juventud anda descolocada. Mayormente nos cuenta que el Sr. Redford se siente realmente mal sobre el estado de las cosas." Más que una película, "Leones por corderos" es una declaración de principios, un compendio de propuestas argumentales para un debate sosegado y constructivo en torno a la cuestión medioriental y la estrategia norteamericana en la guerra global contra el terror. El pretexto narrativo es lo de menos, de lo que se trata fundamentalmente es de consensuar algo así como la postura oficiosa del Hollywood liberal-demócrata en torno a la peliaguda cuestión disparando a discreción contra la alta política republicana.
La suma de toda su sabiduría cinematográfica da como resultado un filme con tres escenarios diferentes y un mínimo de acción. Se trata una obra de teatro escenificada en la gran pantalla donde Redford, Tom Cruise y Meryl Streep demuestran por qué son estrellas de cine. El filme ahonda en la problemática de la actual guerra contra el terrorismo y en la política de los Estados Unidos para con los conflictos desatados.
Entregado en cuerpo y alma a desarrollar el Festival de Sundance, Redford trabaja cada vez menos de cara al público y más entre las bambalinas de la industria, si bien cuando ejerce como director nos regale una joya, una película que este año aspira a muchos de los premios de Hollywood.
Lucha por no ser sólo un sex symbol, y cuenta: "Tuve que luchar contra esa imagen. No podía hablar de eso ni quejarme, porque también tiene cosas buenas. Pero no era fácil a la hora de trabajar porque sólo se veía lo otro. En mi trabajo creo que hay bastante variedad para mostrar que no sólo era mi aspecto físico".