sábado, 30 de noviembre de 2013

Laura (Laura) - (1944) - (Director: Otto Preminger)



Laura

Título original: Laura

Año: 1944

Duración: 88 min.

País: Estados Unidos.

Director: Otto Preminger.

Guión: Jay Dratler, Samuel Hoffenstein, Betty Reinhardt (Novela: Vera Caspary).

Música: David Raksin.

Fotografía: Joseph LaShelle.

Reparto: Gene Tierney, Dana Andrews, Clifton Webb, Judith Anderson, Vincent Price, Dorothy Adams.

Género: Cine negro.

Sinopsis:

Una mujer llamada Laura Hunt ha sido asesinada en su apartamento de Nueva York y el joven detective Mark McPherson (Dana Andrews) se encarga de la investigación. Los principales sospechosos son el novio de la víctima, Shelby Carpenter, un elegante galán pero tan falso que parece capaz de engañar a su propia madre, y un prestigioso y maduro escritor llamado Waldo Lydecker. McPherson los investiga pacientemente y poco a poco empieza a comprender la gran influencia que ejercía Laura sobre esas personas, porque él empieza a tener los mismos síntomas.

Premios:

1944: Oscar: Mejor fotografía (Blanco & Negro). 5 nominaciones.


COMENTARIOS:

Ninotchka, Laura, Rebeca, Gilda... Nombres del cine que han dejado huella. Pero pocos rostros tan extraordinarios como el de Gene Tierney. Aquí la fuerza de su mirada y la perfección esculpida de sus ángulos faciales sólo son comparables con los que mostró en esa maravilla del melodrama titulada Que el cielo la juzgue. Sabiendo lo que tenía, Preminger repitió con la pareja Tierney-Andrews en Al borde del peligro (1950).

Título emblemático del cine negro (y de la historia del cine). Preminger maneja la historia con sabiduría y hay hallazgos deliciosos, como la presentación de Lydecker o la permanente y amorosa fascinación que ejerce el cuadro de Laura sobre McPherson.



Preminger se encarga de realizar este ejercicio de cine negro de intriga, un policial con tintes amorosos. La bella Gene Tierney encarna a Laura Hunt, la mujer fatal que está en el medio de todo lo que sucede en el filme, sospechas de asesinato, triángulos amorosos, intrigas que no parecen poder descifrarse, todo en pro de crear un ambiente de incertidumbre, cosa que logra y, esto ciertamente crea interés por ver la película y descubrir un final que no se insinúa durante la misma. Cuenta con buenas actuaciones, y claro, el aliciente que siempre genera ver a ese maestro del terror, el legendario Vincent Price, y digo aliciente pues en esta oportunidad, lo veremos encarnando un personaje totalmente ajeno a los que habitualmente interpreta Vincent.



Laura (Tierney) ha sido asesinada, en medio de situaciones no muy claras y con muchos sospechosos del homicidio. Dana Andrews es el detective Mark McPherson, teniente encargado de investigar el abominable asesinato a sangre fría de la mujer en la puerta de su propia casa. El detective irá haciendo la investigación, y conforme profundice en la historia irá descubriendo más y más potenciales asesinos, en una historia que involucra más de un enamorado de la mujer, una lista de hombres prendados de ella a la que acaba sumándose el propio detective. Inesperadamente, la presunta asesinada Laura aparece, identificando el cadáver como una mujer relacionada a su prometido, un Vincent Price que se disputa a Laura con otro pretendiente.



Un gran reparto encabezado por un sobrio Dana Andrews y una radiante y hermosa Gene Tierney una "le femme fatale", con elegancia, magnetismo exquisito. Mezcla de candidez, independencia, fragilidad pero a la vez vigor, en una época en que las mujeres eran algo decorativo, esta película nos muestra una mujer de solvencia, capaz de ella escoger un hombre.

Vincent Price en el inusual papel de un buen tipo, un suave e inseguro sujeto encantado con Laura, cuyo enamoramiento lo vuelve frágil y manejable, es este uno de los puntos que realza el filme, más de un purista y asiduo de Price quizás rechace verlo en un papel así, pero, personalmente, lo considero digno de verse, pues, con todo, consigue imprimir su elegancia y distinción, su inconfundible toque al papel

Excelente, un thriller, pero con humor negro, el actor Clift Webb efectúa la clase magistral de un anciano enamorado de una mujer 30 o 40 años menor que él, una expresión de antología "tú eres lo mejor de mí".




Cuando veo una película como ésta me pregunto por qué ya no se hacen películas como las de antes. No es que me queje de las buenas que se hacen, pero estaría bien que además de hacer buenas películas "de las de ahora" hicieran también buenas películas "de las de antes". En fin, siempre nos quedará París, esto... siempre nos quedará el cine clásico.


Tráiler:


Calificación: 5 de 6.

jueves, 28 de noviembre de 2013

Estrenos de la semana: 29 de Noviembre de 2013 (Releases of the Week: November 29, 2013)


Frozen el reino de hielo (2013)
Director: Chris Buck, Jennifer Lee. Dibujos animados
En Frozen el reino de hielo, la optimista y valiente Anna se une al rudo montañero Kristoff y a su leal reno Sven y juntos emprenden un viaje de proporciones épicas para encontrar a su hermana Elsa, cuyos poderes han congelado el reino de Arandelle sumiéndolo en un invierno eterno. Para salvar el reino, Anna y Kristoff lucharán contra los elementos enfrentándose a temperaturas extremas, trols místicos y a un desternillante muñeco de nieve llamado Olaf.
Cuando eran pequeñas, la incapacidad de Elsa para controlar su poder de crear nieve y hielo conduce a un trágico suceso cuando ella y Anna estaban jugando. La magia de Elsa hacía las delicias de la joven Anna. Hizo un muñeco de nieve y las niñas juegaban entre empinadas laderas de nieve dentro de su casa. Pero Elsa perdió el control de su magia e hirió a Anna.
A partir de ese momento, Elsa vive temerosa de volver a hacer daño a Anna y decide apartarse de la persona a la que más ama en el mundo. 
Han pasado los años y  Anna, que ahora ya es una joven, se enfrenta a Elsa, y sin buscarlo, libera las emociones reprimidas de su hermana y provoca un estallido glacial que revela al mundo el secreto que Elsa esconde hace tanto tiempo. Elsa huye de Arendelle, dejando en su estela un reino frío y gélido, y a una hermana que sólo quiere arreglar las cosas. El viaje de Anna para encontrar Elsa la lleva a buscar ayuda en Kristoff, un rudo montañero que no está por la labor de unirse a la aventura...




El consejero (2013)
Director: Ridley Scott con Brad Pitt, Michael Fassbender, Cameron Diaz, Penélope Cruz.
El consejero (The Counselor), la nueva película del aclamado director Ridley Scott, basada en la novela de Cormac McCarthy (escritor de otros éxitos adaptados a la gran pantalla como No es país para viejos y La carretera).
El consejero es un intenso thriller en el que un abogado se ve envuelto en el peligroso mundo del tráfico de drogas.
El legendario realizador cinematográfico Ridley Scott y el autor galardonado con el Premio Pulitzer, Cormac McCarthy (No es país para viejos), han unido sus fuerzas en el thriller cinematográfico El consejero, interpretado por Michael Fassbender, Penélope Cruz, Cameron Díaz, Javier Bardem y Brad Pitt. McCarthy, que debuta como guionista, y Scott entretejen el ingenio y el humor negro característicos del escritor, con un escenario de pesadilla en el que los antiguos deslices de un respetado abogado a propósito de un acuerdo comercial ilegal, se descontrolan por completo.




Bienvenidos al fin del mundo (2013)
Director: Edgar Wright con Thomas Law, Zachary Bailess, Jasper Levine, James Tarpey.
En las afueras de la pequeña ciudad de Inglaterra, cinco adolescentes deciden celebrar su graduación en el instituto con un recorrido épico de pub en pub. A pesar de su entusiasmo y después de beber un buen número de pintas, no consiguen llegar al último pub de la lista, "The World's End" (El fin del mundo). Veintitantos años después, "los cinco mosqueteros" se han convertido en maridos, padres y profesionales, con la notable excepción de su voluble líder Gary King (Simon Pegg), que ya pasa de los cuarenta, atrapado en el humo de su adolescencia. El incontrolable Gary, consciente de la creciente distancia que le separa de su antiguo mejor amigo Andy (Nick Frost), está empeñado en intentar hacer el famoso maratón alcohólico de "La milla de oro". Convence a Andy, Steven (Paddy Considine), Oliver (Martin Freeman) y Peter (Eddie Marsan) de que deben repetir la hazaña que dejaron inacabada, y quedan en verse un viernes por la tarde.
A medida que los cinco intentan reconciliar el pasado y el presente, una serie de encuentros cada vez más peligrosos y descabellados con personas y lugares que frecuentaban les hacen darse cuenta de que no solo deberán luchar por su futuro, sino por el de toda la raza humana.
Llegar al pub "The World's End" será la menor de sus preocupaciones.
Bienvenidos al fin del mundo, la tercera entrega de la trilogía cómica de Edgar Wright, después de los éxitos Zombies Party/Una noche de muerte (2004) y Arma fatal (2007). La película se rodará íntegramente en el Reino Unido.



¡Menudo fenómeno! (2013)
Con Vince Vaughn, Chris Pratt, Cobie Smulders, Andrzej Blumenfeld.
¡Menudo fenómeno! es la historia del afable y tranquilón David Wozniak (Vince Vaughn), cuya mundana vida da un vuelco cuando descubre que tiene 533 hijos consecuencia de donaciones de esperma que hizo veinte años antes.
En deuda con la mafia, rechazado por su novia embarazada... las cosas no podían ir peor para David hasta que se encuentra con una demanda de 142 de las 533 veinteañeros que quieren conocer la identidad del donante.
Mientras David lucha para decidir si debe o no revelar su verdadera identidad, se embarca en un viaje que le llevará a descubrir no sólo su verdadero yo, sino también el padre que podía llegar a ser.




Viral (2013)
Director: Lucas Figueroa con Juan Blanco, Pedro Casablanc, Dafne Fernández, Aura Garrido.
Raúl, un joven en paro, es el ganador de un concurso sin precedentes: vivirá una semana en el edificio de la FNAC de Callao de donde no podrá salir bajo ningún concepto. Su único contacto con el exterior será a través de redes sociales. Su odisea será retransmitida por internet con el objetivo de lograr la mayor viralidad posible.
El problema es que Raúl tendrá que enfrentarse a varios retos: conquistar el amor de su vida, una de las cajeras de la tienda, superar su miedo a los espacios cerrados y averiguar la verdad sobre el pasado del edificio. Por la noche, en el edificio, pasan cosas raras… Puede que todo sea parte de la campaña o quizás el fantasma de una niña que busca justicia sea real...




Diamantes negros (2013)
Director: Miguel Alcantud con Carlos Bardem, Antonio Barroso, Carlo D'Ursi, Setigui Diallo.
Llegaron a Europa desde África con 15 años y la promesa de que serían estrellas del fútbol. Amadou y Moussa, amigos de infancia, son captados en Mali por un ojeador, separados de sus familias y traídos a Madrid para triunfar. Un viaje por España, Portugal y el norte de Europa, les enseña de primera mano las sombras del llamado deporte rey, un negocio que dejará de tratarlos como niños para verlos como "Diamantes Negros".




Mis días felices (2013)
Director Marion Vernoux con Fanny Ardant, Laurent Lafitte, Patrick Chesnais.
Recién cumplidos los 60 y atrapada en un matrimonio aburrido, la jubilación se le hace muy complicada a Caroline. Ahora solo tiene tiempo libre, sin saber qué hacer con él.
Cuando se acerca a un centro ocupacional, conoce a uno de los instructores y algo en su vida semidormida despierta. De nuevo la pasión le hace reencontrarse consigo misma, pero al mismo tiempo podría destruir todo lo que ha conseguido hasta ahora, incluido a su fiel esposo.
Esta será para ella una nueva juventud, sus “días felices”, pero ¿a qué precio se consigue esa felicidad?.



Jappeloup. De padre a hijo (2013)
Director Christian Duguay con Guillaume Canet, Marina Hands, Daniel Auteuil, Lou de Laâge.
A principios de los 80, dejando una prometedora carrera como abogado, Pierre Durand decide dedicarse en cuerpo y alma a su pasión: el salto de obstáculos. Apoyado por su padre, lo apuesta todo por un joven caballo en que nadie tiene gran fe: Jappeloup. Demasiado pequeño, extraño, imprevisible, lleno de defectos aunque también con extraordinarias aptitudes. Juntos empiezan un camino de sacrificio, superación y trabajo que les convierte en leyenda olímpica.

2 millones de espectadores en cines de Francia. Escrita y protagonizada por el ganador del César Guillaume Canet (‘No se lo digas a nadie', ‘El caso Farewell'). Completa el reparto la ganadora del César Marina Hands (‘Cena de amigos') y el dos veces ganador del César Daniel Auteuil (‘Un corazón en invierno').



De tal padre, tal hijo (2013)
Director Hirokazu Koreeda con Masaharu Fukuyama, Machiko Ono, Yôko Maki, Jun Fubuki.
¿Con quién se quedaría, con su hijo natural, o con el hijo que ha creído suyo durante seis años? Hirokazu KORE-EDA, el mundialmente aclamado director de películas como NADIE SABE, STILL WALKING/CAMINANDO Y KISEKI/MILAGRO, vuelve a la gran pantalla con otra familia que sufrirá lo indecible después de recibir una llamada del hospital donde nació su hijo.
Todo lo que Ryota tiene se lo ha ganado trabajando duro y está convencido de que nada puede estropear su perfecta vida. Pero un día, su mujer Midori y él reciben una llamada inesperada del hospital. Keita, su hijo de seis años, no es “su” hijo, el hospital cometió un terrible error y les entregó el niño equivocado.

Ryota se ve obligado a tomar la decisión más importante de su vida: deberá escoger entre lo innato y lo adquirido. Dándose cuenta de la profunda entrega de su esposa Midori a Feita, aun sabiendo que no es el hijo al que dio a luz, y después de conocer a la familia que ha criado con amor a su verdadero hijo durante seis años, Ryota empieza a preguntarse si realmente ha sido un “padre”… La conmovedora historia de un hombre que acaba por verse reflejado en el primer muro real que se levanta en su camino.

Película recomendada:

"De tal palo tal hijo"


lunes, 25 de noviembre de 2013

The Bridge (TV) (El puente) - (2013) - (Director: Gerardo Naranjo, Sergio Mimica-Gezzan)



The Bridge (El puente) (TV)

Título original: The Bridge

Año: 2013

Duración: 45 min (13 episodios)

País: Estados Unidos.

Director: Gerardo Naranjo, Sergio Mimica-Gezzan.

Guión: Måns Mårlind, Hans Rosenfeldt, Björn Stein, Elwood Reid, Meredith Stiehm.

Música: Shawn Pierce.

Fotografía: David Franco, Attila Szalay.

Reparto:

Demián Bichir, Diane Kruger, Annabeth Gish, Ted Levine, Natalie Amenula, Alejandro Patino, Carlos Pratts, Emily Rios.

Género: Thriller.

Sinopsis:

El cadáver de una mujer aparece partido por la mitad en el puente fronterizo de El Paso, que separa Estados Unidos de México. Mejor dicho, aparecen dos mitades, superior e inferior, de los cadáveres de dos mujeres, macabramente presentadas, con las que el asesino intenta enviar un mensaje, pues una corresponde a una jueza americana partidaria de la mano dura contra la inmigración, la otra a una de las muchas chicas mexicanas que suelen desaparecer en Juárez. Dos policías muy distintos deberán colaborar en la resolución del caso, que apunta a un siniestro serial killer: por parte de Estados Unidos la inspectora Sonia North, soltera, inteligente y capaz, pero bastante asocial, no es precisamente una relaciones públicas profesional; por parte de México el inspector Marcos Ruiz, tipo algo cachazudo y con bastante sentido común, aunque de vida familiar ajetreada, pues impenitente mujeriego, tiene tres hijos y ha pasado por dos matrimonios.



Comentarios:

Adaptación americana de Bron, una exitosa serie escandinava, está claro que de los países nórdicos europeos está surgiendo una literatura y un cine que aprovecha sórdidos asesinatos e investigaciones sociales para poner en solfa con inteligencia las supuestamente avanzadas sociedades del bienestar, y el modelo es trasladable a otros países occidentales. Lo hemos visto en los casos de Wallander, Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres y The Killing, y lo volvemos ahora a constatar con The Bridge, que tiene la feliz idea de situar la trama original en la frontera de EE.UU. y México -sin duda una geografía de más contrastes que la que ofrecen Suecia y Dinamarca-, siguiendo la tradición de historias fronterizas de tanta raigambre en América, y poniendo sobre el tapete temas de tanta actualidad como la inmigración ilegal, los cárteles, la corrupción policial, la explotación de mujeres, la alta criminalidad, etc.

The Bridge arranca con la aparición de un cadáver justo en el límite entre El Paso y Ciudad Juárez, lo que, obligará a la Policía de los dos lados a colaborar en la investigación. Así es como conocemos a Sonya y Marco. Diane Kruger y Demián Bichir, los actores encargados de darles vida, tienen la difícil tarea de hacer frente al recuerdo de dos de los grandes personajes seriéfilos de los últimos tiempos, Saga y Martin, los nombres de los protagonistas de Bron. Ya en el primer capítulo vemos las características propias de dos personajes que no podrían ser más diferentes pero que tendrán que colaborar a la fuerza para sacar adelante su trabajo.

Ella, detective estadounidense, tiene problemas con las convenciones que rigen las relaciones sociales. Respeta escrupulosamente las normas y lleva el pragmatismo al límite. Sin apenas vida personal y sin ninguna preocupación por su aspecto físico, no tiene reparos en cambiarse de camiseta delante del resto de compañeros. Él, detective mexicano, curtido en la dura calle de Ciudad Juárez, honesto en medio de un cuerpo policial en el que la corrupción es el pan nuestro de cada día, padre de familia y de trato mucho más afable que su nueva compañera, aporta la carga de humanidad a esta pareja imposible.

Pero también hay diferencias con la serie madre, muchas de ellas inevitables al cambiar el entorno en el que transcurre la acción. Son numerosas las referencias a la inseguridad en las calles de Ciudad Juárez y al desbordamiento que sufren los cuerpos de seguridad. Los cambios de idioma del inglés al español son constantes, sobre todo cuando la acción se sitúa en territorio mexicano (¿cómo se las apañarán en la versión doblada?). La personalidad de los personajes a los dos lados de la frontera también difiere. Y la fotografía gana ese color tan particular de la frontera sur de Estados Unidos, el sol agobiante, el calor, el desierto...

El cineasta Gerardo Naranjo, conocido por su película sobre tráfico de drogas aclamada por la crítica “Miss Bala” dirigió el episodio piloto y dijo a CNN que la postura auténtica del drama sobre la frontera estadounidense-mexicana es lo que la diferencia de otras producciones.

Por ejemplo, la serie se adapta al idioma como un componente importante de la historia.


Casi igual que la fluidez de la vida real del idioma en la frontera, The Bridge incorpora el español cuando la trama se desarrolla en Ciudad Juárez y añade subtítulos en inglés. Incluso existe el uso ocasional de la mezcla de ambos idiomas (es decir, el spanglish).

Además de ser mexicano, Naranjo hizo ricas aportaciones de conocimiento sobre las fronteras al ocupar la silla del director. Pasó cerca de tres años entrevistando a criminales e investigando el conflicto en preparación para la película Miss Bala de 2011.

“Intentamos ser lo más honestos posible”, dijo Naranjo. “No se trata de hacer ver bien o mal a México, se trata de lo que es verdad. Muchas personas que no conocen los problemas mexicanos van a conocer ciertas realidades a través de nuestro programa”.

La serie, protagonizada por Diane Kruger y Demian Bichir, volverá en 2014 con una segunda temporada que de la misma manera que la primera contará con 13 episodios.

Eric Schrier, Presidente de programación original de FX, FX Networks y FX Productions, ha sido el encargado de anunciar la renovación de la serie que se basa en la danesa Broen y que ha logrado una audiencia total de 3.65 millones de espectadores, de los que 1.68 millones pertenecen al demográfico de adultos de entre 19 y 48 años.
Tráiler:


Calificación: 3 de 6.

sábado, 23 de noviembre de 2013

Martin Ritt (Biografía Director) (Biography Director)




Martin Ritt
 (1914-1990)



Director de cine estadounidense, nacido el 2 de marzo de 1914 en Nueva York y fallecido el 8 de diciembre de 1990.


Como tantos otros directores de su generación, Martin Ritt comenzó su carrera dirigiendo e interpretando series de televisión en los años cincuenta, y como tantos otros directores pasó, en los mismos años, a engrosar la lista negra por su pasado comunista, tacha que no afectaría, sin embargo, a la continuidad de su carrera.

En 1957 debutó como director cinematográfico con dos títulos: Donde la ciudad termina y Más fuerte que la vida. El primero significó el debut no sólo para Ritt, sino también para David Suskind como productor y para Robert Alan Arthur como guionista. La intención común era plantear una fábula sobre la amistad y el racismo y utilizar el código de silencio -uno de los ejes argumentales favoritos del cine americano- como centro de la historia. El segundo, un drama social que exponía -aunque con algunos tapujos- parte de la ideología del director, y que formalmente aún estaba vinculado a la herencia televisiva de la "soap opera", fue comprado por la Fox. La película no tuvo mucho éxito, pero un año después Ritt acertó de lleno con la historia y con el reparto. El largo y cálido verano (1958) desafiaba a los que encontraban las novelas de William Faulkner difíciles de llevar a la pantalla. Gran parte del mérito fue de los guionistas Harriet Frank Jr. e Irving Ravetch, sumado al hecho de que Ritt se reveló como un gran director de actores.

En 1959 Ritt repitió con Woodward y volvió a adaptar una novela de Faulkner. El ruido y la furia se sitúa en el sur y muestra el favoritismo de Ritt por el espíritu de esta región, que también recoge en El largo y cálido verano, Norma Rae (1979) y Sounder (1971), y por una narrativa que baraja varias historias al mismo tiempo. Ese mismo año dirigió a Sophia Loren en Orquídea negra, una historia de amor con algunos rasgos de cine negro. El guionista Joe Stefano (que conseguiría el éxito con Psicosis y la serie de televisión En los límites de la realidad) puso a disposición del director un guión autobiográfico que dio como resultado un interesante personaje para Sophia Loren, ganadora de la Copa Volpi a la mejor actriz en el Festival de Venecia.


La siguiente película de Ritt fue Cinco mujeres marcadas (1960), basada en la novela de Ugo Pirro. Silvana Mangano, Vera Miles y Jeanne Moreau dieron vida a algunas de las mujeres del título. Fue una de la producciones más ambiciosas de Ritt, con la que volvía a uno de sus escenarios favoritos: la Segunda Guerra Mundial.


Paris Blues (1961), el título original de Un día volveré, encerraba mucho mejor que su traducción la esencia de la película. El esfuerzo del director se centró en parte en la denuncia social, especialmente el discurso antirracista, que estaba representado por el tratamiento del personaje que interpretaba Sidney Poitier. Junto a él, Paul Newman se ocupó de dar forma al conflicto del profesional que se debate entre su verdadera vocación y la variante que ha de adoptar para vivir. El París superviviente a la Segunda Guerra Mundial acoge a estos personajes al abrigo de un club de jazz. Ésta fue la excusa perfecta para introducir el elemento más interesante de la película: la música, que tuvo como anfitrión a Louis Armstrong. La banda sonora, a cargo de Duke Ellington, fue nominada al Oscar.


La época de juventud del propio Ernest Hemingway, que él recogió en una serie de relatos, sirvió de base a otro título con Paul Newman en el reparto. Cuando se tienen veinte años (1962) fue la primera versión de los amores de Hemingway con una enfermera llamada Agnes Von Kurowski. Años después Richard Attenborough dirigiría En el amor y en la guerra, la misma historia, pero desde la perspectiva de ella. En su siguiente título, Ritt asumió también la producción. Hud (1963) fue su primer western. No sólo el director invirtió todo el esfuerzo en ella, Paul Newman trabajó en un rancho de Texas durante unas semanas para preparar su papel. El riesgo principal, al menos desde el punto de vista de la producción americana, fue escoger a un protagonista con las características de un anti-héroe. Pero el planteamiento dio buen resultado. La película obtuvo tres Oscar: mejor actriz (Patricia Neal), mejor actor secundario (Melvyn Douglas) y mejor fotografía, y además fueron nominados el guión, la dirección artística y el protagonista, Paul Newman.

Tras Cuatro confesiones (1964), una versión bastante peculiar de Rashomon en la que Newman interpretaba de nuevo a un personaje indeseable, Ritt cambió radicalmente de tercio. El espía que surgió del frío (1965) está considerada una de la mejores películas del género, pero no fue un éxito de taquilla. Richard Burton fue en esta ocasión el protagonista de la novela de John Le Carré, para cuyo rodaje Ritt trasladó el equipo a Irlanda e Inglaterra y se ocupó él mismo de la producción. La película obtuvo dos nominaciones: al mejor actor (Richard Burton) y a la mejor dirección artística en blanco y negro. La Academia Británica fue más generosa. Los BAFTA premiaron a Burton, la dirección artística, la fotografía y la película.





Los dos últimos títulos de la década de los sesenta fueron Un hombre (1967) y Mafia (1968). Ritt produjo la primera y dirigió de nuevo a Newman en otro pseudo-western que incorporaba un generoso retrato de los indios, aunque la película no está exenta de violencia. Ésta fue la sexta y última vez que Ritt y Newman trabajaron juntos y proporcionó a este último una de sus mejores interpretaciones. Otro de los temas favoritos del cine americano, el crimen organizado, fue el centro del segundo título, Mafia. Veteranos y jóvenes cerebros criminales intercambian impresiones sobre cómo debe continuar el negocio. Esta vez el director prefirió el Technicolor al blanco y negro, lo que le dio a la película cierto aire documental.

En la línea de las historias sociales, favoritas del director, está Odio en las entrañas (1970), una de las primeras incursiones en materia terrorista. Recoge la existencia de una organización secreta formada por mineros de Pennsilvania, descontentos con su situación, que trajeron de cabeza al gobierno, con explosiones, sabotajes y asesinatos, en torno a 1860. Sean Connery y Richard Harris protagonizaron esta historia que curiosamente se inclinaba a favor de los propietarios, mientras retrataba a los mineros como seres salvajes y sin sentimientos. La película no funcionó en taquilla y sólo recuperó un millón y medio de la inversión. El mensaje del siguiente título tuvo más fortuna. Howard Sackler adaptó su propia obra, La gran esperanza blanca, y Ritt escogió a James Earl Jones para dar vida en la pantalla al mismo personaje que ya había interpretado en Broadway. Una historia de amor interracial y la denuncia hacia los términos del Acta Mann, hicieron el resto.

Un relato que había ganado el Premio Newbery de literatura infantil fue el punto de partida de Sounder (1972), una inteligente película familiar que aprovechaba para poner de manifiesto la pobreza durante la depresión de los años treinta. Su siguiente título, Risas y lágrimas (1972), fue también un melodrama, más actual, con personajes más complejos, y sin ningún ingrediente de evasión. Carol Burnett hacía su segunda incursión en el cine, deshaciéndose de todos los tics de su show televisivo. Dos secundarios, Epstein y Page, recibieron sendas nominaciones al Oscar y esta vez la taquilla sí fue generosa. Pero económicamente la carrera de Ritt está marcada por los altibajos y Conrack (1974) no dio los resultados que el estudio esperaba, y posiblemente los que esperaba el director, que también había participado en la producción. La historia real de Pat Conroy (que además escribió el libro en el que se basó la película) cuenta su experiencia como profesor en una pequeña isla en la costa de Carolina del Sur, donde la educación de los niños de color está muy descuidada.

No era de extrañar que en alguna ocasión Ritt sacara a relucir su inclusión en la lista negra. En 1976 produjo y dirigió El testaferro, la historia de un guionista de los años cincuenta que ha pasado a engrosar la mencionada lista y ha de buscarse una tapadera que firme sus trabajos y así pueda venderlos a los productores de televisión. Woody Allen aceptó protagonizarla. No sólo estaban implicados los intereses del director, sino los del guionista Bernstein y el actor Mostel, que también habían corrido la misma suerte en el pasado. El guión ganó un Oscar y por el camino quedó, bajo el personaje que interpretaba Mostel, un homenaje a Phillip Loeb que se había suicidado después de ser despedido de televisión y añadido a la tristemente famosa lista negra.

Después de un título familiar protagonizado por Walter Matthau, Casey's Shadow, Ritt dirigió uno de sus mejores trabajos. Norma Rae (1979), protagonizada por Sally Field, quien obtuvo aquí su primer Oscar, supuso para Ritt un empujón que no experimentaba desde hacía más de diez años. La historia de una mujer relacionada con los sindicatos de trabajadores dio más dinero del que cabía esperar (más de diez millones de dólares en la fecha de su estreno). Ritt utilizó gran parte del equipo con el que había trabajado en otras historias sureñas y consiguió dotar de una gran calidad a un guión muy sencillo. Sobre todo quedó satisfecho de su trabajo con Sally Field, a quien contrató de nuevo en su siguiente película. Dos hacia California (1981) tiene como protagonista a una prostituta que se enamora de un boxeador que no puede pagarle. La película, con la estructura de una road movie, recuerda ligeramente al cine de Capra de los años treinta, aunque Ritt no supo mantener el ritmo hasta el final.




Después de Los mejores años de mi vida (1983), un título menor basado en las memorias de la escritora Marjorie Kinnan Rawlings, Ritt dirigió El romance de Murphy (1985), que vino a significar un cambio en el planteamiento de las historias de amor de la época. En primer lugar, no estaba centrado en adolescentes, y en segundo lugar, no era un amor a primera vista. Sally Field y James Gardner interpretaron a los personajes que había creado el dúo Harriet Frank Jr. - Irving Ravetch, dos adultos que, de una forma similar a la que después describiría Cartas a Iris (1990) tomaban contacto, conscientes de que lo más probable era que cada uno siguiera su propio camino. Gardner fue nominado al Oscar y también lo fue el director de fotografía, William Fraker.

Las dos últimas películas de Ritt: Loca (1987) y Cartas a Iris (1990) estuvieron dotadas de una especial ternura. Fueron hechas para un personaje femenino. En la primera, Barbra Streisand es una prostituta reivindicativa que se enfrenta a un juicio por asesinato cuyo resultado puede encerrarle de por vida en una institución mental. El guión no es de los mejores con los que trabajó Ritt, pero el personaje central tiene un tratamiento más progresista de lo que es normal en el cine americano.


El matrimonio compuesto por Frank y Ravetch fue el autor de Cartas a Iris (1990), un fructífero entendimiento escénico entre Jane Fonda y Robert De Niro. El principal interés del director aquí -como en la mayor parte de su filmografía- fue reseñar, sobre todo, dos circunstancias sociales de especial importancia en cualquier país: por una parte, el analfabetismo, y por otra, la problemática de las jóvenes madres solteras que han de abandonar los estudios y buscar un trabajo para poder criar a sus hijos. Estos dos títulos fueron no sólo los dos últimos trabajos del director antes de su muerte, sino la culminación de su preocupación por los problemas de la clase trabajadora. Fiel a sus principios durante toda su carrera, Ritt se enfrentó -aunque no sin altibajos- a los mecanismos y temas de la industria hollywoodiense. Falleció el 8 de diciembre de 1990.




Filmografía


Director:




1957: Más fuerte que la vida





1957: Donde la ciudad termina

1958: El largo y cálido verano
1959: Orquídea negra


1959: El ruido y la furia
1960: Cinco mujeres marcadas
1961: Un día volveré
1962: Cuando se tienen veinte años.
1963: Hud, el más salvaje entre mil
1964: Cuatro confesiones
1965: El espía que surgió del frío
1967: Un hombre
1968: Mafia
1970: La gran esperanza blanca

1970: Odio en las entrañas
1972: Sounder
1972: Risas y lágrimas
1974: Conrack
1976: La tapadera 
1978: Casey's Shadow.




1979: Norma Rae.




1981: Dos hacia California.




1983: Los mejores años de mi vida.




1985: El romance de Murphy.




1987: Loca.


1990: Cartas a Iris.