domingo, 29 de diciembre de 2013

Being There (Bienvenido Mr. Chance) - (1979) - (Director: Hal Ashby) - El cine olvidado



Bienvenido Mr. Chance
Título original: Being There
Año: 1979
Duración: 130 min.
País: Estados Unidos.
Director: Hal Ashby.
Guión: Jerzy Kosinki.
Música: Johnny Mandel.
Fotografía: Caleb Deschanel.
Reparto:
Peter Sellers, Shirley MacLaine, Melvyn Douglas, Jack Warden, Richard Basehart, Richard Dysart.
Género: Comedia.
Sinopsis:
Chance es un hombre peculiar. Su vida se reduce a cuidar el jardín de la mansión de un adinerado, y a ver la televisión todo el día, única ventana al mundo. Cuando el dueño de la casa muere, Chance es despedido y expuesto a una vida exterior que no conoce. Sin embargo, pronto se encontrará con Eve, una buena mujer que le acoge. Poco a poco, este hombre analfabeto conseguirá engañar a muchos haciéndoles creer que es un gran político.
Peter Sellers interpreta a este personaje, papel con el que obtuvo gran éxito de crítica y le valió una nominación a los Oscar. Fue su penúltima película antes de que muriera de un ataque al corazón. Cuenta además, con la veteranía de Shirley MacLaine y Melvyn Douglas (Oscar al mejor actor secundario). El film está basado en una novela de Jerzy Kosinski que también se encargó del guión.

Premios:
1979: Oscar: Mejor actor secundario (Melvyn Douglas). 2 nominaciones
1979: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor Actor de reparto (Melvyn Douglas)
1980: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)





COMENTARIOS:
Being there, en inglés "estar allí" y aquí traducido como Bienvenido, Mr. Chance, fue el penúltimo trabajo cinematográfico del desaparecido Peter Sellers. Basada en la novela “Desde el jardín” de Jerzy Kosinki, autor también del guión, relata las aventuras de Mr. Chance (chance significa casualidad en inglés), un retrasado mental que ha vivido cuarenta años recluido en la casa de un anciano adinerado cuidando de su jardín y que, tras la muerte de este, tiene que abandonarla y enfrentarse al mundo exterior, del que únicamente tiene noticia a través de la televisión.


Tras este giro argumental, la película crítica y fusila sin compasión, bajo un tono de comedia agridulce, la sociedad contemporánea y sus diluidos valores, mostrándonos como el protagonista va medrando en la alta sociedad de Manhattan gracias a sus conocimientos de jardinería y su escasez de entendederas para todo lo demás. Acabaremos preguntándonos quien es más idiota, si el bueno de Mr. Chance o el resto de los personajes, hasta el punto de que, en su afán por creer lo que quieren creer, aúpan al jardinero retrasado hasta el estatus de mesías y, sino, presten atención a la imagen final, que no les quiero destripar. No obstante, es esta una película llena de múltiples lecturas.


“Bienvenido, Mr. Chance”, una completa sátira y burla hacia los medios de comunicación y a las personas de poder, especialmente los políticos, que los describe de forma como si de unos hipócritas se trataran. Por no olvidar de sus gags y diálogos, sencillos, divertidos e ingeniosos. Plantea una interesante e inteligente crítica social con el hecho de que alguien bien vestido, sereno y parco en palabras, todo el mundo da por hecho que es alguien importante y una vez que alguien realmente importante lo dice públicamente y aparece con él a su lado ya todo el mundo lo cree.
Adentrándonos en mayor medida en el trasfondo filosófico, es evidente que se trata de una representación del mito de la caverna. Un jardinero que es consciente únicamente de su propia realidad, de la que ha vivido y que en él ha quedado impresa desde su nacimiento en un hogar cavernario. Por vicisitudes del destino sale al exterior, al principio puede parecer torpe o perplejo ante tantos años en la oscuridad de la caverna, pero una vez adaptados éstos a la luz de la verdadera realidad, habrá de acostumbrarse a vivir en ella, pues el retorno nunca es una opción.



Lo que cabría destacar del film son sus personajes, en especial a Peter Sellers y a Melvyn Douglas. Éste último por encarnar a un hombre adinerado pero a la vez moribundo, cuya persona y carácter denotan gran simpatía, junto a su humanidad, pues acoge a Chance sin ningún preámbulo.
Peter Sellers ya es un caso aparte, no cabe duda que estamos ante uno de sus mejores trabajos, pues aquí el actor sabe mostrarnos su lado más bello y conmovedor, y es que no podremos sentir otra cosa en su personaje que la admiración. Sellers, gracias también a un nutrido guión, combina lo divertido con lo dramático, lo cual le dota al personaje de notable y admirable humanidad, es imposible no arrodillarse a sus pies, atrapa al espectador sin que éste pueda resistirse a sus encantos. Es un símbolo de bondad, es un hombre que no sabe absolutamente nada, aparte de algunos pobres conocimientos de jardinería. No es culto, no sabe leer ni escribir, es totalmente dependiente de los otros… Toda esta cadena de atributos lo convierten en un personaje con una figura muy inocente y entrañable, plagada de toda humanidad y de buena intención, ese hombre sólo sabe decir la verdad y hacer el bien pues no conoce otra cosa.


En conclusión, se trata de una cinta que no ha de pasar inadvertida, si me apuran, calificaría esta película como el reverso tenebroso de Forrest Gump. Mientras que con el lento de Misissipi, el mundo es mejor, con Chance, nuestro gesto se queda torcido en una media sonrisa. Muy recomendable, de ninguna manera debe permitirse que pase a la historia sin pena ni gloria, pues estamos ante una bella, tierna y entrañable película de gran humanidad. (Publicado en Filmaffinity)


Una escena:


Calificación: 3 de 6.



sábado, 28 de diciembre de 2013

Historia del Western: y 5ª parte (1960/1976) - El Spaghetti Western (Western history: and Part 5 (1960/1976) - The Spaghetti Western)

E L W E S T E R N

Imagen


Imagen

y 5ª PARTE

El Spaghetti western

Imagen



Donde la vida no tenía valor, la muerte, a veces, tenía su precio. Por eso aparecieron los cazadores de recompensas”.
Inicio de La muerte tenía un precio.

INTRODUCCIÓN:




Imagen

"Una tumba para el sheriff"



En 1964 Sergio Leone, amante desde niño del cine de vaqueros americano, decidió rodar su propia película del género llevándola totalmente a su terreno. Así nació lo que denominamos el Spaghetti Western. El film que Leone creó y comenzó todo fue “Por un puñado de dólares” en el cual el papel principal pertenecía a un joven e inexperto actor llamado Clint Eastwood.

A partir de entonces comenzaron a rodarse innumerables películas del género fuera de América. El spaghetti western debe su nombre a que la mayoría de las producciones que se hicieron en este periodo (1960-1976) eran italianas.Todas estas películas tienen rasgos en común muy distinguidos que las hacen un género cinematográfico por sí mismas.

Según anotan algunos estudios, entre 1960 y 1975 Europa produjo cerca de 600 títulos que giraban en torno a la temática del oeste. Gran parte de este abultado número de cintas siempre había sido ignorado por la crítica, pues se les consideraba cine menor y chatarra. Se supone que los europeos siempre habían sentido atracción por el western, pero lo que en gran parte motivó la producción propia fue un asunto económico. Problemas de mercado y distribución, con altos costos y una inversión con demasiado riesgo, hicieron que capitalistas del Viejo Continente prefirieran imitar las películas de aventuras al estilo de El Zorro y las malas cintas clase B del oeste.



Imagen

"El precio de un hombre"





Antes que Sergio Leone llegara para marcar la diferencia y mejorar la opinión sobre los spaghetti western y el western hecho fuera de EE.UU., el productor Michael Carreras (uno de los fundadores del mítico estudio inglés Hammer) fue un precursor. Con la cinta Tierra brutal (Savage Guns), de 1961 y protagonizada por Richard Basehart, demostró que era posible hacer un cine correcto de vaqueros fuera de Norteamérica.

Las diferencias más destacadas de este género con el “western” son: las técnicas de montaje, los movimientos de cámara (el abuso de los zooms), la caracterización de los personajes y la música. Las temáticas también difieren totalmente de las del western americano; uno de los temas más usados es ‘la venganza’. Generalmente los personajes principales son antihéroes, o sea, que desempeñan las funciones narrativas propias del héroe tradicional, pero difieren en sus apariencias y valores.
Tratan de alejarse lo más posible del romanticismo y la ética que embriaga a todos los westerns americanos, para presentarnos una cara realista, dura y sucia del oeste; donde los personajes tienen que luchar por sobrevivir y buscar su lugar en el mundo. Un Oeste donde la mujer poco tiene que ver, y el hombre es un ser crudo y violento que solo se mueve por su propio interés, el cual la mayoría de las veces es el dinero.


Imagen
Pier Paolo Pasolini en "Que descansen"



Tan importante como las historias que se narraban era la realización de las mismas; en las cuales destacaban un gran uso de las miradas de personajes y reiterativa utilización de los primeros planos. Así como el alargamiento del tiempo narrativo, en muchas veces hasta fines exasperantes. Muchas de estas películas utilizaban en su realización el abuso del zoom, el cual siempre se había considerado feo si no era utilizado con delicadeza o maestría.

La música que se utilizaba en estos filmes debía estar a la misma altura que las imágenes, dejándonos unas grandes bandas sonoras de manos de genios de la composición como Ennio Morriocone.

El escenario de rodaje de muchos de estos filmes es Almería, y es que los rodajes allí eran mucho más baratos que hacerlo en América, y los paisajes poseen una clara similitud. Además la gente se prestaba con total disponibilidad a aparecer como extras en las películas. Y eso hizo que tanto número de hispanos en las filas de extras cambiara las historias a ambientarse en México o en la frontera mexicana
.

Imagen
Tambien Miguel Bosé intervino en un Spaghetti western, "California"

HISTORIA:



El western europeo más antiguo es El emperador de California (Der Kaiser von Kalifornien) 1936, del director Luis Trenker; pero son muy pocas la películas del género que no sean de paternidad italiana o española. Al predominar aquellas, se las bautizó irónicamente con el nombre de spaghetti western. El término fue usado por los críticos para menospreciar al género, sin embargo, algunas de estas películas fueron tratadas con respeto. De especial interés resulta la Trilogía del dólar, del director italiano Sergio Leone.

El spaghetti western se caracteriza por una estética sucia a la vez que estilizada y por unos personajes aparentemente carentes de moral, rudos y duros, haciéndose servir de los clichés clásicos del western estadounidense y de sus mitos para crear un estilo propio.
Últimamente muchos directores estadounidenses han realizado películas de este género (Rápida y mortal, Tombstone, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford...), o han hecho fusiones de spaghetti con otros géneros (Kill Bill).

Imagen
Imagen
"La muerte tenia un precio"



La producción en serie de westerns en Europa se inició en 1962, pero no fue hasta un par de años más tarde que, gracias al éxito de Por un puñado de dólares de Sergio Leone, se convirtió en un género de masas. En principio la crítica fue reticente -por no decir claramente despectiva, de ahí el término spaghetti western- pero con el tiempo tendría que admitir que se trataba de un nuevo género, que tomaba del western estadounidense tradicional los elementos básicos, pero los estilizaba y recomponía de forma totalmente original, mostrando especial atención por aquellos aspectos críticos que Hollywood había camuflado bajo los estereotipos del justiciero bueno y el bandido malo moviéndose dentro de una sociedad en perenne «estado de excepción», sin más ley que las armas.

Entre 1962 y 1976 se produjeron en Italia y España unos 500 títulos, cifra respetable que demuestra la existencia de una indiscutible demanda por parte del público. Ciertamente, muchas de estas películas no eran lo que se dice obras maestras, pero la mayoría mostraba un digno nivel técnico y artístico -con aportes especialmente relevantes en materia de diseño y música- y algunas han pasado por méritos propios a la historia del cine europeo, influyendo a cineastas de todo el mundo.

Imagen
"EL halcon y la presa"



Para muchos críticos de cine, el spaghetti western cambió la forma de hacer cine. Hasta ese momento la música en las películas (salvo excepciones) estaba limitada a la comprensión de los artistas musicales. Se suele decir que Ennio Morricone con sus bandas sonoras para este género, fue quien popularizó el género de la música de películas. A partir de este fenómeno, la banda sonora original se convirtió en un elemento clave para dar fuerza a las escenas de acción sirviendo de vehículo (gracias a un juego de montaje) para convertir escenas aisladas en momentos de clímax de una película.

"Las películas de cowboys se han perdido en la psicología”, solía decir Sergio Leone en relación con las cintas de vaqueros americanas que, en los 60 y 70, buscaban entregar mensajes políticos y sociales más profundos. “El Oeste fue hecho por hombres violentos y simples, y esta es la fuerza y simplicidad que trato de recapturar en mis filmes”.

Hasta el año 1970 se rodaron muchisimos SWs, casi todos siguiendo las ideas básicas de la trilogía de Leone. Por desgracia, al comienzo de la nueva década los espectadores empezaban a cansarse de tanto SW, y cada vez hacían menos taquillas. Pero cuando parecía que la cosa se apagaba, "Le llamaban Trinidad" (1970) da un nuevo giro a la cosa. La cinta autoparodia completamente los SWs, y con un humor estúpido y absurdo, nos presenta una pareja formada por Terence Hill y Bud Spencer que a bases de golpes resuelven sus problemas. Pese a lo nefasto y patético de la peli, se convierte en un éxito, y durante unos cuantos años más el genero sobrevive a base de burdas copias cada vez más aberrantes y estúpidas, haciendo que la despedida del genero sea de un sinsabor que no se merecía por las películas de la década anterior.

En el año 1975, el genero se acaba.

Pese a todo, algunos años después se intentan rodar alguna peli suelta, pero ya el gran publico le da la espalda a las historias de pistoleros sanguinarios, y la cosa es imposible de levantar.

Imagen
"Cara a cara"



El western en España

Es de destacar que hubo muchos directores españoles ( Eugenio Martín, José María Elorrieta, José Luis Madrid, León Klimovski, José Luis Merino, Ignacio F. Iquino, Juan Bosch, Alfonso Balcázar, etc), que se embarcaron en el spaghetti western (o también llamado chorizo western de manera despectiva por la crítica extranjera) ya que por aquel entonces el cine era una industria en España. El madrileño Rafael Romero Marchent fue tal vez el único director español del género que adquiriera cierto renombre, aunque fue su hermano Joaquín Luis Romero Marchent quien introdujo el western en España en la década de los años 50. No nos podemos olvidar de que gran cantidad de actores españoles intervinieron de forma importante en estas películas, entre todos ellos sobresale la figura de Fernando Sancho con una gran cantidad de films en su filmografía.

La mayoría de los spaghetti western fueron financiados por compañías italianas, o españolas.

Imagen
"El Hombre que mató a Billy el Niño"

Los mejores Spaghetti-western

Por un puñado de dolares (1964, Sergio Leone)
Brandy (1964, Mario Caiano, José Luis Borau)
La muerte tenía un precio (1965, Sergio Leone)
Ocaso de un Pistolero (1965, Rafael Romero Marchent)
El Bueno, el Feo y el Malo (1966, Sergio Leone)
El Halcón y la presa (1966, Sergio Sollima)
El precio de un hombre (1966, Eugenio Martín)
Que descansen (1966, Carlo Lizzani)
Yo soy la revolución (1967, Damiano Damiani)
De hombre a hombre (1967, Giulio Petroni)
Cara a Cara (1967, Sergio Sollima)
Hasta que llegó su hora (1968, Sergio Leone)
El gran silencio (1968, Sergio Corbucci)
Corre, Cuchillo, corre (1968, Sergio Sollima)
El especialista (1969, Sergio Corbucci)
Tepepa (1969, Giulio Petroni)
Los compañeros (1970, Sergio Corbucci)
¡Agáchate, maldito! (1971, Sergio Leone)
El Hombre de rio malo (1971, Eugenio Martín)
Los hijos del día y de la noche (1972, Sergio Corbucci)
¡Qué nos importa la revolución! (1973, Sergio Corbucci)
Un hombre llamado Noon (1973, Peter Collinson)

Actores:

Imagen
"Clint Eastwood"

Imagen
"Lee van Cleef"

Imagen
"Gian Maria Volonte"

Imagen
"Charles Bronson"

Imagen
"Franco Nero"

Imagen
"Giuliano Gemma"

Imagen
"Klaus Kinski"

Imagen
"Richard Harrison"

Imagen
"Terence Hill"

Imagen
"Tony Anthony"

Imagen
"Willian Berger"

Imagen
"Anthony Steffen"

Imagen
"Henry Fonda"

Imagen
"Eli_Wallach"

Imagen
"Fernando Sancho"

Imagen
"Robert Woods"

Directores

Imagen
"Sergio Leone"

Imagen
"ToninoValerii"

Imagen
"Sergio Sollima"

Imagen
"Enzo Barboni"

Imagen
"Duccio Tessari"

Imagen
"Enzo G. Castellari"

Imagen
"Eugenio Martin"

Imagen
"Mario Caiano"

Imagen
"Rafael Romero Marchent"

Imagen
"Sergio Corbucci"
FIN

Nota:

Filmografía que realicé y publiqué hace unos años en Cine-clásico.

viernes, 27 de diciembre de 2013

Estrenos de la semana: 27 de Diciembre de 2013 (Releases of the Week: December 27, 2013)


La vida secreta de Walter Mitty (2013)

Director Ben Stiller

Con Ben Stiller, Kristen Wiig, Adam Scott, Patton Oswalt

Título original: "The Secret Life of Walter Mitty", duración 115 minutos

Nadie conoce verdaderamente el poder de los sueños íntimos que tienen lugar dentro de nuestras cabezas… hasta que inspiran nuestra vida real. Eso es lo que ocurre en el replanteamiento contemporáneo al que Ben Stiller somete a uno de los relatos fantásticos más influyentes de todos los tiempos; más aún, al relato por excelencia sobre el irresistible encanto del fantaseo: La vida secreta de Walter Mitty, de James Thurber.

Stiller ha tomado ese clásico de dos páginas y media, publicado en 1939 y, abriéndolo, lo ha convertido en una epopeya cómica del siglo XXI acerca de un hombre que descubre que su vida real está a punto echar por tierra a su desenfrenadamente hiperactiva imaginación.

Este Walter Mitty (Stiller) es la versión moderna de alguien que sueña despierto, el editor fotográfico normal y corriente de una revista que, con regularidad, se toma unas vacaciones mentales y se evade de su aburrida existencia desapareciendo en un mundo de fantasías iluminado por un gallardo heroísmo, amores apasionados y constantes triunfos sobre el peligro. Mas cuando Mitty y su compañera de trabajo, a la que adora en secreto (Kristen Wiig), se ven en auténtico peligro de perder sus empleos, Walter debe hacer lo inimaginable: pasar de veras a la acción embarcándose en un viaje alrededor del mundo más extraordinario que cualquier cosa que él pudiera haber inventado.

A Stiller, La vida secreta de Walter Mitty le brindó una rara ocasión de examinar de nuevo, desde otra época, un relato norteamericano que marcó un hito.




La leyenda del samurái (2013)

Director Carl Erik Rinsch

Con Keanu Reeves, Rinko Kikuchi, Hiroyuki Sanada, Tadanobu Asano

Título original película "47 Ronin"

Una historia del siglo 18 centrada en una banda de samurais que se propuso vengar la muerte de su maestro.

KEANU REEVES encabeza un reparto de estrellas internacionales en la aventura de acción La leyenda del samurái - 47 RONIN. Después de que un caudillo traicionero mate a su señor y les destierre, 47 intrépidos samuráis juran vengarse y recobrar el honor. Obligados a abandonar su hogar y a recorrer nuevas tierras, la banda formada por 47 "ronin" no tiene más remedio que pedir ayuda a Kai (Keanu Reeves), un mestizo al que rechazaron anteriormente, para adentrarse en un mundo poblado de bestias míticas, brujas mutantes y terrores sin nombre.

Kai no acaba de encajar en el etéreo Japón del siglo XVIII, un mundo de intensa brutalidad e innegable belleza, una época en que la historia y la fantasía se encuentran. Cuando le quitan a su gran y prohibido amor, se derrumba. A través de asombrosos paisajes en los que moran seductoras brujas con poderes infernales, bestias míticas y letales sociedades secretas de monjes demoníacos, Kai deberá unirse a una fraternidad de marginados y ayudarles a cumplir con su misión de venganza.

El visionario director Carl Erik Rinsch ("The Gift") dirige La leyenda del samurái. Inspirándose en estilos tan diversos como los de Miyazaki y Hokusai, llevará a la pantalla asombrosos paisajes y tremendas batallas para que el público en todo el mundo vea la eterna historia de los  Ronin como nunca antes





Ismael (2013)

Director Marcelo Piñeyro

Con Mario Casas, Sergi López, Belén Rueda, Juan Diego Botto

Título original película "Ismael", duración 111 minutos

Ismael es una película en la que las emociones de los personajes se encuentran con el significado de los lugares y los paisajes. Una vuelta a las raíces, un encuentro con los acontecimientos que nos marcaron en el pasado, un enternecedor regreso a aquello que nos conmovió en su día y que, poco a poco, con el paso del tiempo, hemos ido olvidando.

Ismael Tchou (Larsson Do Amaral), 10 años y de madre africana, coge el AVE en Atocha rumbo a Barcelona. Se ha fugado de su casa porque quiere encontrar a Félix Ambrós (Mario Casas), su padre, al que nunca conoció. Su única pista es una dirección de un apartamento en la Ciudad Condal, escrita en el remite de una carta dirigida a su madre Alika (Ella Kweku). Una vez allí consigue encontrar el edificio, pero en el apartamento sólo encuentra a Nora (Belén Rueda), una elegante mujer de unos 50 años que resulta ser la madre de Félix Ambrós, es decir, su desconocida abuela.

Félix nunca le dijo a Nora nada sobre la existencia de ese niño, pero tan pronto ella lo localiza por teléfono, no niega su paternidad. Después de avisar a la madre del niño, Nora decide llevarlo a conocer a su padre. Abuela y nieto emprenden un viaje hacia un pueblo de Girona donde Félix vive desde hace tiempo. Al mismo tiempo, Alika y su marido Eduardo (Juan Diego Botto) viajan desde Madrid hacia Girona en busca del chico.

El encuentro que desencadena Ismael con el deseo de conocer a su padre biológico, hará que todos los personajes traten de saldar sus cuentas con el pasado.





Caminando entre dinosaurios 3D (2013)

Director Pierre de Lespinois, Neil Nightingale

Con Charlie Rowe, Angourie Rice.

Título original: "Walking with Dinosaurs 3D"

Dos hermanos que quieren seguir los pasos de su padre terminan a un enfrentamiento en el norte del Ártico.

James Cameron y Vince Pace, aportarán su experiencia para el proyecto Caminando entre dinosaurios 3D, la adaptación a la pantalla grande de la serie homónima de documentales de BBC. El filme usará la más novedosa tecnología de animación CGI, y será rodada en Alaska y Nueva Zelanda.

El sistema de cámaras que utilizan Cameron y Pace, se ha usado en películas tales como Avatar y Transformers: El lado oscuro de la luna.



El médico (2013)

Director Philipp Stölzl

Con Ben Kingsley, Stellan Skarsgård, Olivier Martinez, Emma Rigby.

Título original película "The Physician", duración 150 minutos

Rob J. Cole, un joven londinense hijo de una familia del gremio de carpinteros, queda huérfano a los nueve años. Tiene 4 hermanos que van siendo adoptados por diferentes familias.

Él acaba con un barbero que le enseña el oficio. Durante años recorren Inglaterra montando espectáculos para atraer al público hasta que un día Barber muere. A partir de entonces, Rob seguirá en solitario hasta conocer a Benjamin Merlin, un médico judío al que pronto admirará y quien le explicará que él aprendió medicina en Persia de la mano del gran Ib Bin Sina.

Rob, decidido a ser médico iniciará un gran viaje hacia Persia. En el camino se enamorará de una bella escocesa, aunque sus caminos (de momento) se separarán y Rob continuará su ruta a Persia. Una vez allí se hará pasar por judío (los musulmanes no enseñaban a los cristianos) adoptando el nombre de Jesse ben Benjamin y vivirá muchas aventuras hasta convertirse en un gran médico.

El médico es la adaptación cinematográfica del best-seller homónimo de Noah Gordon, que lleva más de 21 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo, y 4 millones en España. Los consagrados Ben Kingsley (Gandhi, Casa de arena y niebla) y Stellan Skarsgård (Melancolía, Los vengadores) acompañarán a Tom Payne (‘Luck’) en esta épica producción europea, que se encuentra en pleno rodaje entre Alemania y Marruecos.

 El rodaje de El médico se desarrolla estos días en Alemania.



Los Inocentes (2013)

Director Carlos Alonso, Dídac Cervera, Marta Díaz (II), Laura García (II), Eugeni Guillem, Ander Iriarte, Marc Martinez, Rubén Montero, Arnau Pons (II), Marc Pujolar, Miguel Sanchez

Con Mario Marzo, Charlotte Vega, Àlex Batllori, Diana Gómez.

Título original película "Los Inocentes"

Nueve jóvenes deciden pasar el día de los inocentes esquiando. Después de perderse, optan por no desaprovechar el viaje e irse de fiesta al viejo albergue abandonado "12 Colinas". Los rumores dicen que el albergue posee una vieja maldición que tiene lugar cada 28 de diciembre. Pese a las advertencias de los lugareños, los jóvenes decidirán proseguir con el plan. Todo será fiesta, sexo y alcohol hasta que comiencen a ser víctimas de macabras bromas asesinas.

12 directores, una gran broma macabra.

Los Inocentes es un proyecto cinematográfico nacido en la ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya), dentro de la especialidad de dirección, pero que ha trascendido implicando a toda la promoción. Se trata de un largometraje de terror, un “Slasher”. Bajo la tutela de 12 directores, y a través de sus doce propuestas visuales, descubriremos la macabra maldición del albergue "12 Colinas" y las extrañas muertes que asolan el lugar cada 28 de diciembre.
Tráiler: La vida secreta de Walter Mitty