domingo, 20 de agosto de 2017

Fallece Jerry Lewis.



 "Cuando dirijo, hago de padre;
cuando escribo, hago de hombre;
cuando actúo, hago el idiota".
(Jerry Lewis)

Jerry Lewis, uno de los grandes de la historía del cine a los 91 años. DEP.

viernes, 4 de agosto de 2017

The Shining Hour (La hora radiante) - (1938) - (Director: Frank Borzage)





Título original: The Shining Hour 

Título en español: La hora radiante

Año: 1938

Duración: 73 min.

País: Estados Unidos.

Director: Frank Borzage.

Guion: Jane Murfin, Ogden Nash (Obra: Keith Winter)

Música: Franz Waxman.

Fotografía: George J. Folsey (B&W)

Reparto:

Joan Crawford, Margaret Sullavan, Robert Young, Melvyn Douglas, Fay Bainter, Allyn Joslyn, Hattie McDaniel, Oscar O'Shea, Frank Albertson, Harry Barris.

Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Loew's.


Género: Drama.


Sinopsis:

Cuenta la historia de una bailarina que, cansada de su vida frívola y sin sentido, decide casarse sin amor con un rico e irse con él a su mansión en el campo. Allí conocerá a su cuñado del que se queda prendada e intentará que se enamore de ella.

Un drama romántico, que también reflexiona sobre la enorme importancia de los lazos familiares. El siempre romántico Frank Borzage obtuvo un gran éxito de público.





COMENTARIO:



Pese a su escasa vindicación no me resisto a considerar THE SHINING HOUR (La hora radiante, 1938) como uno de los títulos más interesantes de la fértil –más de veinte títulos- y escasamente valorizada trayectoria del norteamericano Frank Borzage en el cine norteamericano de los años treinta. Es más, yendo aún más lejos en dicha argumentación, y pese a ciertos desequilibrios que impiden que nos encontremos ante un logro absoluto, es probable que estemos ante uno de los exponentes más adultos dentro del melodrama cinematográfico de dicha década. Sorprende dicha circunstancia cuando se trata de una producción de la eternamente conservadora Metro Goldwyn Mayer, unido al hecho de estar ubicada en un periodo posterior a la implantación del código Hays. Por fortuna, el film de Borzage sabe exponerse con absoluta libertad fundamentalmente en el retrato de las dos jóvenes cuñadas protagonistas, a través de cuya sinceridad y personalidad avanzada ofrecen el nexo de unión y en cuya inflexión la película logra plasmar el verdadero tema de la propuesta; la búsqueda desesperada de cada individuo para llevar consigo la autenticidad y la honestidad en su propia existencia.




Combinando con elegancia y sensibilidad un componente de alta comedia –representado especialmente por personajes secundarios como la criada de color, Belvedere (Hattie McDaniel)- con el sentido innato que para Borzage suponía el tratamiento del melodrama, lo cierto es que THE SHINING… demuestra de nuevo la capacidad que el norteamericano demostró en aquellos años con la comedia, y que quizá tuvo su primera manifestación más o menos oficial con la estupenda DESIRE (Deseo, 1936), y se prolongue con la aún superior HISTORY IS MADE AT NIGHT  (Cena de medianoche, 1937). Que duda cabe que en esta ocasión dicha elección viene dada por el contrapunto que en no pocas ocasiones ejerce dicha opción a la hora de suavizar la dureza –siempre envuelta en exquisitos modales- que mostrará el latente conflicto que se plantea entre los habitantes de las mansión de los Linden, cuando uno de sus moradores –Henry (Melvyn Douglas)-, se enamore y se case con una conocida bailarina y mujer de mundo –Olivia (Joan Crawford)-. Con absoluta convicción, esta abandonará el mundo que hasta entonces había definido su vida –frívolo, burbujeante y superficial- y se insertará en el cómodo entorno rural que ejerce como modus vivendi de la adinerada familia Linden. Un grupo que se encuentra absolutamente dominado por la hermana mayor –Hannah (Fay Bainter)-, una mujer soltera de mediana edad, dominante y absolutamente escéptica en torno a la boda de Henry –poco a poco atisbaremos en ella un cierto alcance incestuoso hacia su hermano recién casado, intentando en todo momento y bajo su imperturbable presencia introducir en la cotidianeidad de la familia rumores y observaciones que contribuirán a debilitar las relaciones existentes en la mansión. Y es que junto a la aportada por Henry ya se encuentra asentada la pareja formada por David (Robert Young) y su joven esposa Judy (Margaret Sullavan). De todos modos, la integración de Olivia en el seno de los Linden muy pronto provocará en David –incluso antes de que esta consume su boda con Henry- un profundo recelo que, en el fondo, no supone más que un intento de esconder la irrefrenable fascinación que le produce –a partir de la contemplación de una actuación de esta en una sala de baile, elegantemente filmada por Borzage-.




Todos estos elementos de conflictos serán planteados a partir de la confluencia de sus principales personajes en la oscura cotidianeidad de la mansión anfitriona. En dicho contexto observaremos las constantes inquinas por parte de Hannah, quien por otra parte advertirá desde el primer momento los intentos de David por captar la atención de Olivia, así como la sincera relación de amistad que se establece entre la propia Olivia y la sensible Judy. Ambas, a su modo, son personas lúcidas que se sienten de alguna manera incómodas en ese modo de vida que han elegido por amor a sus respectivos esposos. Un amor que inicialmente para ellas no se ha planteado como un sentimiento sincero, sino como la suma de una serie de anhelos que para ambas suponía acceder a la petición de sus entonces pretendientes. Ciértamente, si THE SHINING… logra alcanzar en ciertos pasajes de la función un grado de sinceridad admirable reside en las secuencias en las que ambas conversan, revelando un sentimiento de verdad en sus confesiones, así como en la mutua admiración que se profesan lo que, unido a la espléndida labor que realizan tanto Joan Crawford como Margaret Sullavan, permiten que las secuencias a dos entre ambas puedan situarse entre los mejores y más sinceros momentos del melodrama cinematográfico de los años treinta.





Así pues, dentro de un planteamiento dramático atrevido –elaborado por Jane Murfin y Ogden Nash a partir de la obra teatral de Keith Winter- y, me atrevería a señalar, un poco a contracorriente, Borzage demuestra su capacidad para modular el sentido de cada una de las secuencias, dentro de esa presumible ausencia de pretensiones que permitirá los iniciales contrapuntos de comedia, dominando la construcción de los planos a partir de la ubicación de los intérpretes en el encuadre, proporcionando una fluidez al relato centrada fundamentalmente en esa casi constante ausencia de tremendismos cinematográficos y apelando generalmente a esa sencillez que en el fondo esconde un preciso dominio de los resortes dramáticos de la película. Junto a estas características, el film de Borzage poco a poco se incardinará en el gran tema que acompañó la práctica totalidad de su filmografía; la fuerza inmanente del amor, capaz del mayor sufrimiento y de la mayor ascesis, planteada en esta ocasión como sacrificio de lejanos ecos místicos, que permitirá finalmente a Judy intentar su propia inmolación para salvar el amor que su esposo siente por Olivia, y a esta a abandonar definitivamente a su esposo, llegando incluso a provocar el arrepentimiento sincero de Hannah. Es evidente que nos encontramos ante situaciones que, expuestas por un director poco sutil o dado al tremendismo, podrían provocar un resultado cercano al ridículo. Nada de eso sucede bajo la batuta de uno de los grandes románticos de Hollywood en esta película inusual, liviana en sus primeros compases, pero que con una constante sutileza unida a una precisión cinematográfica fuera de toda duda, logra erigirse como un melodrama de contundente madurez tanto en las formas elegidas como en las líneas argumentales descritas.





Antes señalaba que ciertos detalles impiden que THE SHINNING HOUR, con ser magnífica, alcance el grado de grandeza que por momentos atisba. Con ello me refiero a la escasa definición que alcanza en la pantalla el personaje encarnado por el excelente Melvyn Douglas, el miscasting que asume –con innegable profesionalidad- Robert Young, o ciertas situaciones introducidas en la narración de manera un tanto abrupta e incomprensible –el incendio que provoca Hanna de la mansión en la que iban a residir Henry y Olivia-. Será un fragmento en el que el personaje de la hermana solterona –que encarna de manera impecable Fay Bainter- parece erigirse casi como un precedente del ama de llaves que Judith Anderson encarnaría un par de años después en REBECCA (Rebeca, 1940. Alfred Hitchcock). Todo ello servirá como conclusión a un episodio –las secuencias de la fiesta de inauguración de la edificación- en el que contemplaremos una situación de notable alcance erótico, que igualmente parece prefigurar la planteada en la secuencia central de PIC NIC (Picnic, 1955. Joshua Logan), entre William Holden, Kim Novak y Rosalind Russell. Dentro de los elementos un tanto chirriantes del conjunto, no cabría omitir la inoportuna reaparición final de la criada negra cuando los dos recién casados deciden renovar su apuesta por al amor. En cualquier caso, se trata de pequeñas objeciones que palidecen ante momentos tan intensos como esa secuencia descrita en los primeros minutos, en la que David  descubre la crueldad e hipocresía que los compañeros de Olivia manifiestan ante la boda de esta, o el episodio de conclusión, que de manera conmovedora nos mostrará esa apuesta casi mística por el redescubrimiento del verdadero amor entre Judy –llorando por sus ojos, lo único que se puede atisbar en su rostro vendado-, y la ascesis que se ofrece en el picado que a continuación se brinda entre Henry, Olivia y Hannah. En definitiva, una de las más valiosas muestras del arte borzagiano en la década de los años treinta, necesitada de urgente revisitación. (Publicado en CINEMA DE PERRA GORDA)




Trailer:



Calificación: 4 de 6.

lunes, 31 de julio de 2017

Muere Jeanne Moreau.


Muere la actriz francesa Jeanne Moreau a los 89 años.

La actriz Jeanne Moreau, icono del cine francés, ha muerto este lunes a los 89 años, según ha informado su agente a la agencia France Presse. La intérprete, todo un símbolo del cine del siglo XX, fue calificada por Orson Welles como la "mejor actriz del mundo". Moreau, que actuó en más de un centenar de películas a los largo de una carrera de 65 años, incluyendo Los amantes de Louis Malle y Jules y Jim de François Truffaut, fue hallada muerta en su domicilio de la capital francesa, según ha informado Jeanne d'Hauteserre, alcaldesa de su distrito.

En los comienzos de su carrera, marcada por el hecho de haber sido una de las musas de la nouvelle vague, Moreau trabajó con directores icónicos de la historia del cine como Francois Truffaut, Louis Malle, Michelangelo Antonioni, Elia Kazan, Wim Wenders o Luis Buñuel. Se curtió en la comedia francesa y se descubrió al mundo con Les amants, de Malle, en 1958.

La gran dama del cine francés acumuló todos los grandes premios cinematográficos europeos. En 2001 se convirtió en la primera mujer nombrada académica en la Academia de Bellas Artes de París y es la única actriz que ha presidido el Festival de Cannes en dos ocasiones.

En su faceta de escenógrafa, dirigió películas como Lumière (1976). Estuvo casada con Jean-Louis Richard, padre de su hijo Jérôme, y posteriormente con William Friedkin, a los que se suman numerosas relaciones sentimentales. "He seducido a muchos hombres. Siempre me incliné por hombres con talento. No tuve amantes por tenerlos", aseguró en unas declaraciones recogidas por Efe.

"Con ella desaparece una artista que encarnó el cine en su complejidad, su memoria, su exigencia", ha ensalzado la Presidencia francesa, que la ha recordado como una mujer rebelde contra "el orden establecido y la rutina". (El País)

viernes, 21 de julio de 2017

Rööperi (Helsinki) - (2009) - (Director: Aleksi Mäkelä)



Título original: Rööperi

Año: 2009

Duración: 136 min.

País: Finlandia.

Director: Aleksi Mäkelä.

Guion: Marko Leino (Novel: Harri Nykänen, Tom Sjöberg)

Música: Kalle Chydenius.

Fotografía: Pini Hellstedt.


Reparto:

Samuli Edelmann, Peter Franzén, Kari Hietalahti, Pihla Viitala, Kristo Salminen, Jasper Pääkkönen, Hiski Grönstrand.



Productora: Solar Films.

Género: Thriller.


Sinopsis:

1966, Tomppa y sus amigos Krisu y Kari ya se les está quedando pequeño su negocio de venta ilegal de alcohol en Punavuori, Helsinki. A base de puño y mal carácter expanden su territorio y aumentan sus ganancias. Pero también están al tanto de que su estilo de vida solo tiene tres destinos: seguir adelante, la cárcel o la muerte. (FILMAFFINITY)





Comentario:

Cada país tiene sus cineastas clásicos, en Finlandia uno de los directores más conocido y popular de todos podría ser Aleksi Mäkelä, sin olvidar, internacionalmente a Aki Kaurismäki. Muchas de sus películas, producidas en su mayoría por Markus Selin de Solar Films, han alcanzado gran popularidad y normalmente cuentan con los actores finlandeses más famosos en los papeles principales.



La historia se basa libremente en un libro de no ficción sobre la vida de un ex criminal, Tom Sjöberg. A principios de 1966, Tomppa (Samuli Edelmann) y sus amigos Krisu y Kari (Peter Franzén y Kari Hietalahti) se están hartando de la pequeña escala de sus negocios de venta ilegal de licores en Punavuori, Helsinki ("Rööperi" del título). Con puños duros e incluso actitudes más duras, ellos expanden sus territorios y ganan más dinero, pero también son conscientes de que su estilo de vida criminal sólo puede tener tres resultados: seguir adelante, la cárcel o la muerte. Tomppa es el más responsable del grupo y abre una tienda de objetos sexuales para ganar una vida (algo) honesta para él y su esposa Monika (Pihla Viitala), mientras que Kari realmente no puede controlar la vida después de perder a su madre. Krisu, a su vez, se involucra en el tráfico de drogas con consecuencias devastadoras.



Las producciones de Markus Selin siempre han tenido un sello "internacional", lo que significa que han contado con un buen presupuesto de producción. Rööperi no es una excepción; El Helsinki de los años 60 y 70 aparece muy bien retratada, en gran parte gracias al director de fotografía el experimentado Pini Hellstedt. Especialmente las calles en la escena de apertura se puede disfrutar de luz verde y muchos de los interiores sombreados son hermosamente sombríos.



El núcleo de la película, la historia, es bastante interesante también. La espina dorsal de la trama es el desarrollo de Tomppa de un matón callejero a un hombre de negocios cada vez más honesto a pesar de las tragedias personales y sus sentimientos de responsabilidad con respecto a su esposa y amigos que simplemente no pueden ver a dónde se dirigen sus vidas hasta que ya es demasiado tarde. Tomppa está muy bien retratado por el carismático cantante y actor Samuli Edelmann, pero Kari Hietalahti y Peter Franzén no se quedan atrás en sus papeles de Kari y Krisu respectivamente - la actuación de este último como el miserable drogadicto en realidad pertenece entre los mejores que he visto en cualquier película reciente.



Tal vez un enfoque menos duro, más discreto podría haber mejorado la película, pero así me parece muy atractiva. Recomendable.




Trailer:


Calificación: 4 de 6.

miércoles, 12 de julio de 2017

Madam Satan (Madam Satan) - (1930) - (Director: Cecil B. DeMille)



Título original: Madam Satan

Año: 1930

Duración: 110 min.

País: Estados Unidos.

Director: Cecil B. DeMille.

Guión: Jeanie Macpherson, Gladys Unger, Elsie Janis.

Música: Clifford Grey, Elsie Janis, Herbert Stothart.

Fotografía: Harold Rosson.

Reparto:

Kay Johnson, Reginald Denny, Lillian Roth, Roland Young, Elsa Peterson, Jack King, Eddie Prinz, Boyd Irwin, Wallace MacDonald, Tyler Brooke.

Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Género: Comedia.

Sinopsis:

Angela y Bob Brooks son una pareja de clase alta. Por desgracia, Bob es un marido infiel. Pero Angela tiene un plan para recuperar el afecto de su marido. Un baile de máscaras se llevará a cabo a bordo de un dirigible. Angela asiste y se disfraza de diablesa. Escondida detrás de su máscara y envuelta en un atrevido vestido trata de seducir a su marido para darle una lección.


Comentario:

"Madame Satán" es una comedia rodada a principios del sonoro, con aires de cine musical (pero sin pretensión de ser una película musical). Es una de las películas más extrañas que realizó DeMille y ciertamente una de las más extrañas hechas por la MGM durante su "edad de oro". La película originalmente presentó secuencias en Technicolor que ahora están perdidas.




La versión original en blanco y negro de "Madame Satán" todavía sobrevive, pero falta al menos un número musical. Según los expertos, Kay Johnson y Reginald Denny originalmente cantaron "This Is Love", pero en la versión que circula actualmente, esta canción sólo se oye de fondo durante una escena en la que Johnson está hablando con su criada.




Las secuencias de Zeppelin fueron filmadas originalmente en Technicolor. La película, sin embargo, se estrenó en blanco y negro debido a la reacción contra los musicales que hicieron del color un gasto excesivo. Lo mismo ocurrió con otro musical de MGM, "Children of Pleasure" (1930), cuyas secuencias de color fueron lanzadas de manera similar en blanco y negro.




El censor de Hollywood Jason Joy trabajó con DeMille para minimizar los elementos censurables en el guión potencialmente desagradables. "Ellos acordaron poner disfraces menos reveladores en las mujeres en la fiesta de máscaras, medias en el cuerpo, hojas de higo más grandes y redes translúcidas que se encargaron de ocultar la mayor parte de la desnudez . También es relevante, una escena en la que Angela se enfrenta a Trixie, y Trixie se muestra con un camisón bastante transparente, porque "no tiene nada que ocultar", fue eliminado.




DeMille quería a Gloria Swanson para el papel de Angela, pero su amante y socio de negocios, Joseph P. Kennedy , la persuadió a no aceptar el papel. Swanson todavía estaba tratando de salvar su desastrosa aventura en "Queen Kelly" (1929) y se le aconsejó que no apareciera en películas no hechas por su propia compañía de producción. "Madame Satán" era la película más costosa hecha por Metro en 1930 , y significó un fracaso de crítica y público, produjo unas pérdidas de 390.000 dólares.




En los últimos años, algunos críticos comienzan a valorar la película de forma muy positiva. Para mí, ha significado una agradable sorpresa, con una primera parte muy divertida y una segunda parte en la que todo se convierte en más previsible.




Contiene algunos elementos interesantes, la crítica a la forma de vida de la "clase acomodada". Espectalculares los efectos especiales del teledirigible, hoy parecen pobres y ridículos, pero no olvidemos que la película está realizada en 1930.




Sorprende por lo atrevido la forma de vestir de las mujeres a pesar de la censura y lo avanzado y liberal de algunas conversaciones.




La actriz protagonista, Kay Johnson, (hoy olvidada) está espléndida en su doble papel: de esposa engañada y de diablesa seductora. Muy bien Roland Young en el papel de amigo del matrimonio, muy bella Lillian Roth y algo más soso el protagonista masculino Reginald Denny.




Una buena comedia que vale la pena recuperar.



Lillian Roth:


Calificación: 4 de 6.


jueves, 6 de julio de 2017

Three Wise Girls - (Abismos de pasión) - (1932) - (Director: William Beaudine)



Título original: Three Wise Girls

Título en español: Abismos de pasión

Año:1932

Duración:65 min.

País: Estados Unidos.

Director: William Beaudine.

Guion: Agnes Christine Johnston, Robert Riskin (Historia: Wilson Collison)

Fotografía: Ted Tetzlaff (B&W)

Reparto:

Jean Harlow, Mae Clarke, Walter Byron, Marie Prevost, Andy Devine, Natalie Moorhead, Jameson Thomas, Lucy Beaumont, Kathrin Clare Ward, Robert Dudley, Marcia Harris, Walter Miller, Armand Kaliz.


Productora: Columbia Pictures Corporation.

Género: Drama.

Sinopsis:

Cassie ha llegado a Nueva York y va a trabajar como modelo en el mismo lugar donde su amiga Gladys. Ella se enamora de Jerry, que ya está casado. Gladys tiene el mismo problema con su hombre Phelps. 






Comentarío:


"Three Wise Girls" es un entretenido melodrama protagonizado por Jean Harlow, Mae Clarke y Marie Prevost.



Poco antes de que Jean Harlow  firmara con MGM, estaba bajo contrato con Howard Hughes, quien la prestó a Columbia donde trabajó por primera vez con Capra en "Platinum Blonde".



Por supuesto, toda la premisa de esta película - que una chica podría enamorar a un hombre rico infeliz casado, asegurar su divorcio y terminar felizmente- habría sido imposible unos años más tarde. 



Es una historia entretenida, de ritmo acelerado, que está perfectamente resuelta en aproximadamente 65 minutos. Harlow en una actuación bastante atractiva  como la chica que trata de navegar en la vida de la gran ciudad, con su virtud intacta.



Es interesante que la amiga de Harlow sea interpretada por Mae Clarke, dado que Clarke y Harlow interpretaron a las novias de James Cagney en ·The Public Enemy" (1931) para Warner Bros. 



La compañera de habitación de Harlow es interpretada por Marie Prevost. Es un papel divertido que incluye un romance con el chofer de Jerry, interpretado por Andy Devine.



Curiosamente, Jean Harlow y Marie Prevost fallecerían mediados de 1937 con 26 y 38 años  respectivamente. 



"Three Wise Girls" fue dirigida por William Beaudine y fotografiada por Ted Tetzlaff. En el quión el colaborador de Frank Capra, Robert Riskin.


Película:




Calificación: 3 de 6.



miércoles, 28 de junio de 2017

Fallece el actor sueco Michael Nyqvist.


El actor sueco Michael Nyqvist, protagonista masculino de la adaptación al cine de la popular trilogía "Millennium" del escritor Stieg Larsson, murió a los 56 años, informó su familia.

El actor sueco, fallecido por cáncer de pulmón, se había convertido en secundario en repartos internacionales en la última década tras una prominente carrera en su país.

A pesar de que su padre biológico era italiano, Nyqvist fue adoptado y estudió en la Escuela de Arte Dramático de Malmö.vSe dio a conocer en la primera temporada de la serie Beck (1997) en el papel de Banck. En la película El clavel negro fue el diplomático y humanitario sueco Harald Edelstam y ganó el Premio Guldbagge cómo mejor actor masculino en 2003. A pesar de ello, su fama mundial llegó con la adaptación cinematográfica de Millenium -escrita por el difunto Stieg Larsson-, donde interpreta al protagonista Mikael Blomkvist. En 2011 fue el antagonista de la cuarta película de la exitosa saga Mision Imposible, Misión: Imposible – Protocolo Fantasma.

En el aspecto más personal, el actor estaba casado con la escenógrafa Catharina Ehrnrooth, con quien tuvo dos hijos. Además, en 2009 se publicó su novela Nar barnet lagt sig, en la que hace referencia a la búsqueda de sus padres biológicos.

lunes, 12 de junio de 2017

Hrafninn flýgur (Cuando los cuervos vuelan -Ojo por ojo-) - (1984) - (Hrafn Gunnlaugsson9



Título original: Hrafninn flýgur

Título en español: Cuando los cuervos vuelan (Ojo por ojo)

Título en inglés: When the Raven Flies

Año: 1984

Duración: 105 min.

País: Islandia.

Director: Hrafn Gunnlaugsson

Guión: Hrafn Gunnlaugsson, Bo Jönsson (Novela: Dashiell Hammett)

Música: Harry Manfredini, Hans-Erik Philip.

Fotografía: Tony Forsberg.

Reparto:


Edda Björgvinsdóttir, Egill Ólafsson, Flosi Ólafsson, Gotti Sigurdarson, Helgi Skúlason, Jakob Þór Einarsson, Sveinn M. Eiðsson, Abba M. Jóhannsdóttir, Anna S. Karlsdóttir, Anna Reynisdóttir, Arnaldur Friðgeirsson, Ármann Ingason, Birgir Guðjónsson, Birgir Mikaelsson, Bjarni Guðmarsson, Börkur Arnviðarson.


Productora: Coproducción Islandia-Suecia; Film / Viking Film / Svenska Filminstitutet (SFI)

Género: Acción. Drama.


Sinopsis:


Los noruegos arrasan un poblado de Islandia pero uno de ellos se apiada de un niño. Transcurrido el tiempo el niño se hace hombre y busca venganza. Primera entrega de la "Trilogía de los Vikingos" dirigida por Hrafn Gunnlaugsson, inspirada en el western y el cine de samuráis; de hecho es un remake libre de "Por un puñado de dólares", quien a su vez era una versión del clásico "Yojimbo", de Akira Kurosawa. (FILMAFFINITY)


Premios:1984: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor director.



Comentario:


El Sergio Leone islandés, un descubrimiento:

Un spaguetti-western islandés con vikingos. Nada más y nada menos. Un sublime film. Una típica historia de venganzas añejas por parte de un asesino profesional que busca justicia ante el vikingo que mató a su familia y le vendió cuando niño, junto a su hermana, como esclavos.




Ante este punto de partida, el director Gunnlaugsson, en 1984, pergueñó una película-homenaje recuperando el espíritu de los mejores spaguettis de Leone, con el mismo ritmo lento y contemplativo de "Hasta que llegó su hora" (su fuente de inspiración), sus mismos planos cortos, sus miradas, el sufrimiento del héroe ante el villano (otro homenaje, esta vez a Por un puñado de dólares) y el curioso duelo final, excelentemente coreografiado. Planos que recuerdan al cine japonés. Japón, Islandia e Italia, Kurosawa, Leone y Gunnlaugsson se dan la mano en este filme.




El héroe es un trasunto del "Hombre sin nombre" o de "Armónica" de los films de Leone y el villano tiene el mismo perfil que "Frank" de "Hasta que llegó su hora", un malo malísimo y sin redención posible.

Una gran sorpresa de una filmografia desconocida y que data de 1984, mucho antes de los spaguetis chinos y tailandeses.




Primera de una trilogía, de las cuales he podido ver ésta y la segunda, también excelente y con el mismo tono de western... Islandia es un lugar duro e inhóspito, como los desiertos de Almería, a la vez que sorprendente...




Si os gusta Leone, o Kurosawa, las historias de venganzas y asesinos justicieros no podeis dejar de verla. (Quinto Sertorio en Filmaffinity)



Trailer:







Banda sonora:




Calificación: 3 de 6.


viernes, 2 de junio de 2017

Palmarés del Festival de Cine de Cannes 2017




La 70ª edición del Festival de Cannes ha llegado a su fin y este es el Palmarés completo que nos ha dejado:

- Palma de Oro: 'The square', de Ruben Östlund.

- Gran Premio del Jurado: '120 battements par minute', de Robin Campillo.

- Premio del Jurado: 'Loveless', de Andrey Zvyagintsev.

- Mejor dirección: Sofia Coppola, por 'The Beguiled'

- Mejor actor: Joaquin Phoenix, por 'You were never really here'

- Mejor actriz: Diane Kruger, por 'Aus Dem Nights (In the fade)'

- Mejor guión: Ex-aequo para Yorgos Lanthimos y Efthimis Filippou por 'The killing of a sacred deer' y para Lynne Ramsay por 'You were never really here'

- Mejor película de la Semana de la Crítica: 'Makala', de Emmanuel Gras.

- Premio Cámara de Oro: 'Jeune femme', de Léonor Serraille.

- Premio FIPRESCI de la crítica: '120 battements par minute', de Robin Campillo.

- Mejor película en 'Un Certain Regard': 'Lerd (A Man of Integrity)', de Mohammad Rasoulof.

- Mejor cortometraje: 'Xiao Cheng Er Yue', de Qiu Yang.


Diane Kruger