Música de cine - Dúo SINOPUS (Vídeo)

DÚO SINOPUS

VIDEO: 

Marty (Marty) - (1955) - (Director: Delbert Mann)

 

Título original: Marty

Año: 1955

Duración: 91 min.

País: Estados Unidos.

Dirección: Delbert Mann.

Interpretes:Ernest Borgnine, Betsy Blair, Frank Sutton, Esther Minciotti, Augusta Ciolli.

Guion: Paddy Chayefsky.

Música: Roy Webb.

Fotografía: Joseph LaShelle (B&W)

Compañía: United Artists.

Género: Drama romántico.

Sinopsis:

Marty es un carnicero solterón que todavía vive con su madre. Suele salir con frecuencia con sus amigos por la noche, intentando encontrar a alguna chica con la que compartir su vida y hacer planes para el futuro. (FILMAFFINITY)

 

28 Edición de los Oscar (1956) - Películas de 1955

Ganadora: Mejor película.

Ganadora: Mejor dirección (Delbert Mann)

Ganadora: Mejor actor principal (Ernest Borgnine)

Nominada: Mejor actor de reparto (Joe Mantell)

Nominada: Mejor actriz de reparto (Betsy Blair)

Ganadora: Mejor guion (Paddy Chayefsky)

Nominada: Mejor fotografía (Blanco & Negro) (Joseph LaShelle)

Nominada: Mejor dirección artística (Blanco & Negro) (Ted Haworth, Walter M. Simonds, Robert Priestley)

 

13ª Globos de Oro (1956) - Películas del 1955

Ganadora: Mejor actor principal - Drama (Ernest Borgnine)

 

BAFTA 1956: Premios de la academia de cine británica (Películas de 1955)

Nominada: Mejor película

Ganadora: Mejor actor extranjero (Ernest Borgnine)

Ganadora: Mejor actriz extranjera (Betsy Blair)

 

Festival de Cannes 1955

Ganadora: Palma de Oro: Mejor película

Ganadora: Premio OCIC.

Sindicato de Guionistas (WGA) 1956 - Producciones de 1955

Ganadora: Mejor guion drama (Paddy Chayefsky)

 

Círculo de Críticos de Nueva York - Año 1955

Ganadora: Mejor película.

Ganadora: Mejor actor (Ernest Borgnine)

 

National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) - Premios año 1955

Ganadora: Mejor película.

Nominada: Mejores 10 películas del año

Ganadora: Mejor actor (Ernest Borgnine)

 

Directors Guild of America (DGA) - Producciones de 1955

Ganadora: Mejor dirección / película (Delbert Mann)

 

COMENTARIO: 

¿Quieres tu corazón cálido y calentito? ¿Qué tal una película para sentirte bien que te lleve a un viaje a través de la naturaleza humana de cerca y en persona? 

Amor, amistad, vida, trabajo, compañerismo, intimidad, padres, matrimonio y todos los problemas de la vida normal con soluciones presentadas aquí para su disfrute. 

¿Quién no ha tenido algunos de los pensamientos o experiencias que se muestran en esta película? Nadie y eso es lo que te atrapa enseguida. 

Podrías ser cualquiera de los personajes de esta película, así de sensata es. 

Marty Piletti (Ernest Borgnine) es un buen hombre de treinta y cuatro años, solitario, inseguro y honesto, que vive con su madre italiana, la señora Theresa Piletti (Esther Minciotti), y trabaja como carnicero. Angie (Joe Mantell) es su mejor amigo, una persona muy superficial, y su compañía a los bares y salones de baile por las noches, ya que el feo y gordo Marty es rechazado por las chicas. Su familia y amigos italianos lo presionan para que se case, pero Marty no tiene novia y tiene muchas dificultades para acercarse a las mujeres. Un sábado por la noche, Marty conoce a Clara Snyder (Betsy Blair), una soltera de veintinueve años, fea (obs: `perro', de acuerdo con la descripción de los amigos de Marty en la historia, pero en realidad Betsy Blair era una mujer encantadora, de hermosas ojos y sonrisa y voz encantadoras) y mujer rechazada, en un salón de baile. Betsy es profesora en Brooklyn con título universitario y, al igual que Marty, es muy insegura y tiene un sentimiento de rechazo por parte de los hombres. Se sienten atraídos el uno por el otro y pasan una noche maravillosa juntos. Al día siguiente, antes y después de la misa dominical, los familiares y amigos de Marty hacen bromas sobre la falta de belleza de Clara. El maravilloso final abierto de la historia, poco común en el cine americano, es uno de los mejores que he visto en mi vida.

Capta el estado de ánimo y la época de esa época y lugar que permite a uno identificarse con todo ello sin perder el ritmo. Los puntos principales de la película también se exponen de inmediato y la parte restante de la película respalda todas las premisas. Subimos y bajamos e identificarnos con Marty, el protagonista principal, no es difícil. Quiere amor pero no sabe qué es ni cómo lograrlo y, por lo que sí entiende, simplemente no le funciona. Su agonía es tan sentida que es como un grito de ayuda al Universo y ésta llega, pero no de la manera esperada. Eso es lo que lo hace tan potente y memorable. Hay una escena especialmente buena con Marty y su madre y él está cenando, lo cual está muy bien interpretado no solo por querer un plato propio sino por las emociones y expresiones profundas.

Esta película es una historia de amor sencilla, hermosa y conmovedora con magníficas actuaciones del elenco y una dirección sensible. (imdb)

Trailer:

Calificación: 5 de 6

 

Rome Adventure (Más allá del amor) - (1962) - (Delmer Daves)

ROME ADVENTURE

Título original: Rome Adventure

Título en español: Más allá del amor

Año; 1962

Duración: 119 min.

País: Estados Unidos.

Dirección: Delmer Daves.

Guion: Delmer Daves. Novela: Irving Fineman.

Música: Max Steiner.

Fotografía: Charles Lawton Jr.

Compañía: Warner Bros.

Género: Drama romántico

Sinopsis:

Prudence Bell (Suzanne Pleshette) trabaja como bibliotecaria en una universidad femenina. Harta del puritanismo social dominante, decide dejar su empleo y viajar a Italia para averiguar si los italianos son tan románticos como dice la leyenda. Al llegar a Roma, encuentra trabajo en una librería y conoce a Roberto Orlandi (Rosanno Brazzi), un italiano culto y refinado que se enamora profundamente de ella. Sin embargo, cuando conoce a Don Porter (Troy Donahue), un joven estudiante de arquitectura que trata de olvidar al amor de su vida, su vida dará un vuelco absoluto.

Premios: 1962: Globos de Oro: Nominada a nueva promesa femenina (Pleshette)

COMENTARIO:

Roma es uno de esos lugares en los que no se puede hacer una película mal fotografiada. La mitad del placer de ver "Rome Adventure" es ver las impresionantes vistas de la Ciudad Eterna tal como lo hicimos en Roman Holiday, Three Coins In The Fountain, The Seven Hills Of Rome y muchos otros que podría mencionar.

“Rome Adventure” (también conocida como Lovers Must Learn) está dirigida por Delmer Daves, tiene una duración de 119 minutos, está realizada y estrenada por Warner Bros, está escrita por Delmer Daves, rodada en Technicolor por Charles Lawton Jr, producida por Delmer Daves y la música está compuesta por Max Steiner, con dirección artística de Leo K Kuter. Natalie Wood se retiró y Pleshette fue contratada como coprotagonista de Donahue en septiembre de 1961.

Troy y Suzanne iluminaron la pantalla en esta película. Estoy seguro de que sus actuaciones se vieron ayudadas en gran medida por el hecho de que estaban teniendo un romance tórrido y se casaron después de terminar la película. Es triste decirlo, aunque en la vida real no fue un final feliz.

La canción 'Al di là', interpretada en la película por Emilio Pericoli, fue grabada por Betty Curtis y Luciano Tajoli y ganó el Festival de San Remo de 1961, convirtiéndose en la entrada de Italia al Festival de la Canción de Eurovisión en 1961. Se convirtió en un éxito internacional para Connie Francis.

Daves dirigió a Donahue en cuatro películas sucesivas: A Summer Place, Parrish, Susan Slade y Rome Adventure. Luego dirigió a Pleshette en Youngblood Hawke (1964) y a Brazzi en The Battle of the Villa Fiorita (1965).

Fancher, quien interpreta al personaje de Stillwell, escribió los guiones de "Blade Runner" (1982) y "Blade Runner 2049" (2017), mundos de distancia de la Roma de 1962.

Drama romántico que tuvo mucho éxito en las taquillas, sobre todo por el papel protagonista de Angie Dickinson, en su momento de mayor popularidad. Vista hoy, teniendo en cuenta como a evolucionado nuestra sociedad, puede parecer cursi y anticuada, si se puede ignorar el sexismo que dicta que el papel de una mujer es "anclar" al hombre, dejar de lado su volatilidad y, mediante alguna alquimia, convertirlo en lo mejor que puede ser, la narrativa se inclina hacia la independencia de las mujeres.

Pero, por supuesto, si eso es todo lo que quieres y no quieres acercarte a las consecuencias, entonces el escritor y director Daves ofrece una mezcla perfecta. Si hay una presunción pasada de moda en todo esto, tal vez sea porque el material original, Lovers Must Learn, fue escrito tres décadas antes.

La película es muy bonita, romántica y muy entretenida, no la intentemos analizar desde el punto de vista de hoy, el cine clásico es el cine clásico y ya han pasado más de sesenta años desde su rodaje, en estos años, el mundo ha cambiado de forma radical y no siempre para mejor,

Trailer.

"Al Di La":

Calificación: 2 de 6.

The Law and Jake Wade (Desafío en la ciudad muerta) - (1958) - (Director: John Sturges)

 

The Law and Jake Wade

Título original: The Law and Jake Wade

Título en España: Desafío en la ciudad muerta

Año: 1958

País: EE.UU.

Dirección: John Sturges.

Argumento: Marvin H. Albert (novela)

Guión: William Bowers.

Fotografía: Robert Surtees.

Montaje: Ferris Webster.

Intérpretes: Robert Taylor, Richard Widmark, Patricia Owens, Robert Middleton, Henry Silva, DeForest Kelley, Eddie Firestone, Burt Douglas, Gene Coogan, Richard H. Cutting, Roy Engel.

Sinopsis: El sheriff Jack Wade (Robert Taylor) salva de la horca a Clint Hollister (Richard Widmarck), un viejo compañero de fechorías. A pesar de ello, su antigua banda, con Clint a la cabeza, no le perdona que huyera con el botín del último golpe y decide enfrentarse a él para recuperarlo.

Comentario:

Estrenada en 1958, "The Law and Jake Wade" está protagonizada por Robert Taylor como el personaje principal que fue un forajido después de la Guerra Civil, pero ahora es un sheriff. Un miembro de su antigua banda, Clint Hollister (Richard Widmark), no le deja comenzar una nueva vida y obliga a Jake y a su prometida (Patricia Owens) a llevarlo a él y a algunos de su banda a un lugar donde está enterrado el dinero, un pueblo fantasma en las montañas. A diferencia de Jake, Clint es malo de principio a fin y el nuevo agente de la ley está convencido de que lo matará después de recibir el dinero.

Este western tiene mucho a su favor: un elenco sólido, particularmente Taylor como Wade y Widmark como el arrogante y malo Clint, localizaciones del oeste absolutamente impresionantes, rodadas en Alabama Hills, Lone Pine y el Parque Nacional Death Valley, California; y algunas reflexiones fascinantes sobre la naturaleza de la moralidad, el mal, la ley, la amistad y la rivalidad.

Mucha tensión, atmósfera melancólica e incidentes (incluido el botín enterrado de la banda y un ataque de nativos americanos), además del extraño dilema moral que se presenta cuando el héroe salva al pasado, pero, ¿qué hará en una confrontación final?

Completan el reparto Patricia Owens, y el resto de la pandilla de Widmark, que incluía a DeForest Kelley, Robert Middleton y al magnífico y siempre inquietante, Henry Silva, entre otros.

Este es otro trabajo sólido de John Sturges, el director subestimado mejor conocido por The Great Escape y The Magnificent Seven.

"The Law and Jake Wade", es en muchos sentidos es un psico-western, dependiendo del conflicto verbal y mental entre los protagonistas (o protagonista y antagonista), su relación de amor/odio y las fascinantes exploraciones del bien y el mal, la ley y la proscripción, la amistad y la rivalidad, pero también tiene escenas de acción muy bien manejadas. A veces roza lo demasiado serio, pero la siniestra ligereza de Widmark contrarresta eso, su cínico y despiadado encantador Clint es uno de los mejores papeles. Siempre pensé que era mejor como malo.

"The Law and Jake Wade" (La ley y Jake Wade), es de visión obligada. Sin duda, uno de los mejores westerns de finales de los 50, y eso es mucho decir. 

Uno de mis westerns favoritos.

Trailer:

Calificación: 5 de 6.

Drive My Car (2021) (Director: Ryusuke Hamaguchi)

 

DRIVE MY CARD

2021

Dirección: Ryusuke Hamaguchi.

Reparto: Hidetoshi Nishijima, Masaki Okada, Reika Kirishima, Tôko Miura, Dae-Young Jin, Sonia Yuan, Ahn Hwitae, Perry Dizon, Satoko Abe, Hiroko Matsuda, Toshiaki Inomata.

Director: Ryusuke Hamaguchi.

Guion: Ryûsuke Hamaguchi, Takamasa Oe. Relato Corto: Haruki Murakami.

Música: Eiko Ishibashi.

Fotografía: Hidetoshi Shinomiya.

Compañías: Bitters End, C&I Entertainment, Culture Entertainment, Asahi Shimbun.

Distribuidora: Bitters End, The Match Factory.

Sinopsis: La película revelación de la temporada, Oscar a la Mejor Película Internacional. Una auténtica obra maestra que ha consolidado a su director, Ryusuke Hamaguchi, como uno de los autores asiáticos más populares del momento. Basada en un relato corto de Murakami.

Yusuke Kafuku, actor y director de teatro, aún incapaz de lidiar con su pasado, acepta dirigir Tío Vania en un festival de teatro en Hiroshima. Allí conoce a Misaki, una joven introvertida que será su chófer. En sus idas y venidas comienzan a surgir las confesiones y a desvelarse los secretos de sus misteriosas vidas.

Premios:

2021: Premios Oscar: Mejor película internacional. 4 nominaciones.

2021: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa.

2021: Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa.

2021: Festival de Cannes: Mejor guion y Premio FIPRESCI.

2021: Festival de Chicago: Premio del Jurado.

2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película.

 

 COMENTARIO:

Drive My Car es brillantemente capaz de respirar y funcionar como su propio ser vivo. La película actúa como un fluido que impregna tu cuerpo y se queda contigo, ya sea destructivo o esclarecedor. La película sigue al actor de teatro Kafuku, quien tras la muerte de su esposa se muda a Hiroshima. La expedición es deprimente pero auténtica, y la forma en que la película explora la emoción es poderosa.

Para empezar, la lente temática que abarca la película está realizada con mucha elegancia. Después de la muerte de su esposa, Kafuku trató su automóvil como un símbolo de dolor y libertad. Al mudarse a Hiroshima, acepta de mala gana que el conductor Misaki lo lleve a los ensayos de su obra El tío Vanya. Las cintas que reproduciría de su esposa, Oto, hablando las líneas correspondientes mantienen la compostura y el bienestar de Kafuku. Luego, el automóvil se utiliza inicialmente como un mecanismo de afrontamiento, para suprimir la vulnerabilidad derivada del trauma. El estoicismo de Kafuku es lo que bloquea su verdadero yo. Al igual que su adherencia al guión durante los ensayos, Yûsuke cree que se requiere conformidad para seguir adelante. Pero a través de la conexión con su conductora Misaki, Kafuku cambia su percepción.

Misaki como sus luchas internas, mientras ella también huye de su casa para escapar del trauma. Al observar los ensayos de Kafuku y las interacciones mutuas en el coche, se forma una fuerte conexión entre Misaki y Kafuku. El coche se transforma en una máquina de empatía, donde ambos personajes, a través de matices específicos, pueden expresar su naturaleza discreta y su culpa. Debo elogiar todas las actuaciones, pero Nishijima como Kafuku y Miura como Watari son increíbles. Su química aumenta a medida que avanza cada escena y día, donde es difícil creer que esto sea siquiera una película.

Me encanta la forma en que Yamaguchi transmite la apertura del corazón a través del sentimiento en lugar del lenguaje. La obra de Kafuku reúne un elenco de actores de varios lugares que hablan diferentes idiomas. Aunque no se entienden verbalmente, reconocen sus sentimientos psicológicamente. La acción en sí misma puede comunicar sentimientos de manera mucho más poderosa que el lenguaje por sí solo. Una vez que Kafuku alcanza su catarsis final, surge una asombrosa liberación del ocultamiento.

El tema impregna la cinematografía de Hidetoshi Shinomiya. Planos amplios de puentes conectan a Yûsuke y Misaki con sus dolores internos y su respeto mutuo; tomas largas de rostros de personajes que poco a poco van rompiendo su yo interior honran lo que la película generaliza sobre la autoexpresión. Drive My Car es una visión honesta del conflicto de uno mismo y espero volver a verlo pronto.

Un viaje reflexivo y lloroso en el que el destino es una confrontación espiritual con uno mismo, "Drive My Car" devasta y reconforta a través de su poesía vehicular el dolor del que huimos, las colisiones que nos despiertan y la sanación obtenida de cada bache en el camino.

Con casi tres horas, "Drive My Car" despega lenta e intensamente gran parte del verdadero Kafuku. El resultado es una hermosa y fascinante película, una obra de arte. 

Trailer:

Calificación: 6 de 6.