Estrellas del cine: Natalie Wood

Estrenos de la semana: 28 de Noviembre de 2014 (Releases of the Week: November 28, 2014)

Trash  Ladrones de esperanza (2014)

Del director Stephen Daldry.

Con Rooney Mara, Martin Sheen, Wagner Moura, Selton Mello.

Título original película "Trash"

Dos niños de las favelas de Río encuentran una cartera en el basurero donde buscan a diario, pero no se imaginan que este descubrimiento cambiará sus vidas para siempre.

Cuando la policía local aparece para ofrecerles una generosa recompensa por la cartera, los dos chicos, Rafael (RICKSON TEVEZ) y Gardo (LUIS EDUARDO), comprenden que han encontrado algo importante. Deciden recurrir a su amigo Rato (GABRIEL WEINSTEIN), y los tres se lanzan a una extraordinaria aventura para intentar quedarse con la cartera y descubrir el secreto que esconde.

En el camino, deberán distinguir entre amigos y enemigos, juntar las piezas del rompecabezas para entender la historia de José Angelo (WAGNER MOURA), el dueño de la cartera, y aprender a no fiarse de la policía, especialmente del peligroso Federico (SELTON MELLO). Dos misioneros estadounidenses que trabajan en la favela, el decepcionado padre Julliard (MARTIN SHEEN) y su joven asistente Olivia (ROONEY MARA), quizá tengan la clave para encontrar la solución.

Trailer de: Trash Ladrones de esperanza

Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo (2014)

Del director Javier Fesser.

Título original película "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo", duración 88 minutos.

El SÚPER INTENDENTE VICENTE, máximo jefazo de la TIA (agencia de información y espionaje), supervisa la instalación en su despacho de la nueva y flamante caja fuerte. No han terminado de anclársela en la pared cuando JIMMY "el cachondo" la sustrae en sus narices por el método de "la reverencia": inclinando el edificio hasta que la pesada caja caiga a la calle. Tras huir el malhechor en su pequeño helicóptero junto a sus ayudantes (dos siameses unidos por la rabadilla), el SÚPER hace llamar con carácter de urgencia a sus dos mejores agentes, los más preparados, los "top one". Pero como en la TIA no tienen ese tipo de agentes, se ve abocado a la peor de las soluciones: dejar el caso en manos de los superagentes MORTADELO y FILEMÓN.

MORTADELO y FILEMÓN se disponen a acudir a su llamada sin excesiva prisa cuando una nefasta noticia les cambia los planes y les hace atrincherarse en casa: TRONCHAMULAS, un delincuente de 3 toneladas de músculo y 60 gramos de cerebro al que FILEMÓN metió en la cárcel 15 años atrás, se acaba de escapar de la misma con el único fin de vengarse del agente.

Trailer de: Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo

Los pingüinos de Madagascar (2015)

Con Ben Stiller, Nicole Sullivan, David Schwimmer.

Título original película "The Penguins of Madagascar", duración 95 minutos.

Skipper (Tom McGrath), Kowalski (Chris Miller), Rico (John Di Maggio) y Private (Christopher Knights) son los cuatro pingüinos protagonistas de esta película que se unirán a una organización clandestina de animales.

Benedict Cumberbatch pone voz a un un lobo conocido como "Clasificado", que es el líder de un equipo de élite conocido como North Wind, que trabaja para detener al malvado pulpo Dave (John Malkovich) de matar a todos los pingüinos en el mundo. Ken Jeong, Annet Mahendru y Peter Stormare completan el elenco.

Basada en la famosa serie de TV infantil en la que unos pingüinos protagonizan aventuras dentro del zoo de Central Park de Nueva York en el que residen, y que es a su vez una spin-off de Madagascar.

Trailer de: Los pingüinos de Madagascar

The Zero Theorem (2013)

Del director Terry Gilliam.

Con Matt Damon, Christoph Waltz, Tilda Swinton, Ben Whishaw.

Título original película "The Zero Theorem", duración 107 minutos.

Un hacker trabaja en un secreto proyecto cuyo fin es descubrir la razón de la existencia humana, aunque continuamente se encuentra con obstáculos generados por un ente llamado "Dirección" (Management) que en esta ocasión le ha enviado un adolescente con fuertes intereses en el amor lujurioso.

Trailer de: The Zero Theorem

Rastros de sándalo (2014)

Del director Maria Ripoll.

Con Nandita Das, Aina Clotet, Rosa Novell, Naby Dakhli.

Título original película "Rastros de sándalo", duración 95 minutos.

Mina (Nandita Das), una actriz india de éxito en Mumbai, no puede olvidar a su hermana pequeña Sita, de quien fue separada a la fuerza después de la muerte de su madre en un pueblo. Treinta años después, Mina finalmente se enterará de que Sita está bien y vive en Barcelona. Sin embargo, los padres adoptivos de Sita le han escondido su historia. Ahora se llama Paula (Aina Clotet), es bióloga y no tiene ningún recuerdo de su pasado. Paula emprenderá el viaje de descubrimiento de su verdadera identidad con la ayuda de Prakash (Naby Dakhli), un atractivo inmigrante indio que vende películas de Bollywood en el barrio barcelonés del Raval.

Rodada en catalán e inglés en las mejores localizaciones de Mumbai y Barcelona, Rastros de sándalo está basada en la novela homónima de Asha Miró y Anna Soler-Pont, publicada con gran éxito de ventas por la editorial Planeta en 2007.

Trailer de: Rastros de sándalo

Lecciones de amor (2013)

Del director Fred Schepisi.

Con Clive Owen, Keegan Connor Tracy, Juliette Binoche.

Título original película "Words and Pictures", duración 111 minutos.

Ambientada en una escuela de élite situada en Nueva Inglaterra, gira en torno a la "polémica" relación que entablarán un profesor de lengua y una profesora de arte. La película está protagonizada por Clive Owen en el papel de Jack Marcus, un profesor de lengua que lucha por transmitir su entusiasmo por la gramática a sus alumnos y por Juliette Binoche interpretando a Dina Delsanto, una conocida artista que comienza a dar clases en la escuela. Jack declara una guerra a base de “palabras contra imágenes”, enfrentando a sus estudiantes en un intento por mostrar qué medio puede tener mayor significado. Este juego desencadenará en una bonita historia de amor.

Lecciones de amor es un drama romántico que reúne por primera vez a estos dos grandes actores en la pantalla.

Trailer de: Words and Pictures

Paris Manhattan (2012)

Del director Sophie Lellouche.

Con Alice Taglioni, Patrick Bruel, Marine Delterme, Michel Aumont.

Título original película "Paris Manhattan", duración 77 minutos.

Alice es una guapa y joven soltera farmacéutica que siente una insólita fascinación por Woody Allen. A pesar de que su soltería es un tema que no le preocupa en absoluto, su entorno familiar vive obsesionado por encontrarle pareja a toda costa, aunque en realidad ella desea al actual marido de su hermana.

Como en los grandes amores, Victor aparecerá en la vida de Alice sin previo aviso, al acudir para instalar una alarma de seguridad en la Farmacia que Alice ha heredado de su padre.

Su inesperado encuentro podría cambiar la vida de ambos….

Trailer de: Paris Manhattan

Adiós al Lenguaje (2014)

Del director Jean-Luc Godard.

Con Héloise Godet, Kamel Abdeli, Richard Chevallier, Zoé Bruneau.

Título original película "Adieu au langage", duración 70 minutos.

La idea es simple:

Una mujer casada y un hombre soltero se conocen.

Se aman, discuten, los puñetazos vuelan.

Un perro está entre la ciudad y el campo.

Las estaciones pasan.

El hombre y la mujer se reencuentran.

El perro se encuentra a si mismo entre los dos.

El otro está en uno.

El uno está en el otro.

Y son tres.

El marido lo echa todo a perder.

Una segunda película comienza.

Igual que la primera.

Y a la vez no.

De la carrera humana pasamos a la metáfora Termina en ladridos.

Y un bebé llora.

Trailer de: Adiós al Lenguaje

Juegos sucios (2014)

Del director E.L. Katz.

Con Pat Healy, Ethan Embry, Sara Paxton, David Koechner.

Título original película "Cheap Thrills", duración 85 minutos.

Juegos sucios sigue Craig (Pat Healy), un hombre de familia que acaba de perder su triste empleo y está apunto de ser desahuciadoo. En un esfuerzo por retrasar lo que parece inevitable, se dirige a un bar cercano donde se encuentra con un viejo amigo (Ethan Embry). Tras varias rondas de bebidas, los dos terminarán siendo acompañados por un extraño y obscenamente rico (David Koechner), junto con su misteriosa esposa (Sara Paxton).

La pareja incita a los dos hombres a realizar una serie de inocentes atrevimientos a cambio de dinero en el transcurso de la noche. Pero cada desafío va subiendo la apuesta, tanto económicamente como en su dificultad. La retorcida pareja empuja a Craig y a su amigo hasta dónde están dispuestos a llegar por el dinero y emociones baratas.

Trailer de: Juegos sucios

Fuego (2014)

Del director Luis Marias.

Con José Coronado, Aida Folch, Leire Berrocal, Montse Mostaza.

Título original película "Fuego"

Carlos (José Coronado) es policía. Un día, una bomba en su coche mata a su mujer y deja sin piernas a su hija de 10 años. El resulta intacto. Once años más tarde parece otra persona. Vive en otra ciudad, Barcelona; tiene otro trabajo, en una importante empresa de seguridad y su hija parece haber superado aquel duro trauma, aunque ciertas secuelas sean imborrables. El, tras años de severo tratamiento psicológico, también parece volver a ser una persona a la que han dado una segunda oportunidad. Nada más lejos de la realidad. En lo más profundo de su ser solo hay cabida para un sentimiento que consume a los demás: el odio. Y un único objetivo: la venganza.

Fuego habla de las consecuencias de la violencia y del odio. Y del dolor que provocan. Ambos son como el fuego, virulentos, destructivos e imposibles de controlar. Afectan sobre todo a quien sufre esa violencia, también a sus seres queridos. Pero también a quienes ejercen esa violencia y a los suyos.  Todo lo que toca el odio, arde. Como el fuego.

Trailer de: Fuego

Queimada! (Queimada) - (1969) - (Director: Gillo Pontecorvo)

Queimada

Título original: Queimada!

Año: 1969

Duración: 112 min.

País: Italia.

Director: Gillo Pontecorvo.

Guión: Franco Solinas, Giorgio Arlorio, Gillo Pontecorvo

Música: Ennio Morricone.

Fotografía: Giuseppe Bruzzolini, Marcello Gatti.

Reparto:

Marlon Brando, Evaristo Márquez, Renato Salvatori, Norman Hill, Tom Lyons, Carlo Palmucci, Giampiero Albertini, Dana Ghia.

Género: Drama.

Sinopsis:

William Walker, un agente inglés, es enviado a Queimada, isla imaginaria del Caribe, para fomentar una revuelta contra los portugueses. Sin embargo, el objetivo de esta operación no es apoyar la independencia de los nativos, sino que Inglaterra sustituya a Portugal como potencia colonialista.

Premios:

1969: Premios David di Donatello: Mejor director.

COMENTARIOS:

Respondía Brando, el último gran Mito de la Historia del Cine, perplejo y sorprendido, después de que la prensa internacional anunciara su "resurrección" en 1972 con "El Padrino" y "El último tango en París", que él nunca había muerto, que en 1969 había realizado la que él considera su mejor interpretación en "Queimada", pero el problema era que no la había visto nadie.

Si bien es cierto que desde sus arrolladores años 50, con "Un tranvía llamado deseo", "Julio César", "Salvaje" (que ha envejecido muy mal) o "La ley del silencio", entre otras, no había cosechado ningún gran éxito comercial hasta su soberbia interpretación de Vito Corleone. En su filmografía, a la década de los 60 se le ha considerado generalmente como la de sus películas "menores".

Sin embargo, no es menos cierto, si dejamos atrás sus extravagancias, sus peleas con distintos directores y productores, y su dudoso acierto a la hora de elegir proyectos, que si bien sus películas durante de los años 60 no contaron con demasiado éxito comercial, salvando "Rebelión a bordo" y alguna que otra, no se puede considerar esta década como una interpretación "menor" del Mito. En la gran mayoría de ellas, las interpretaciones de Brando si no son magistrales, si son sobresalientes y en buena medida es la única razón que las mantiene vivas, incluso la fallida "La condesa de Hong Kong" de Chaplin, con quien también tuvo sus más y sus menos. Así títulos como "El baile de los malditos", "Morituri", "El rostro impenetrable", o "Reflejos de un ojo dorado", no se pueden considerar películas menores.

El problema es la concepción del cine que tenía Brando, quien, una vez alcanzada la fama, lo veía como una herramienta para luchar por los derechos sociales. En la década de los 60, volcado como estuvo por la lucha de los derechos civiles de los negros y de los indios norteamericanos (recordar que renunció al Óscar por "El Padrino" y en su lugar envió a Pequeña Pluma, puto amo), en más de una ocasión no acertó a elegir bien sus proyectos de cine-denuncia, como "Su excelencia el embajador" o "Sierra prohíbida", sin que por eso sean malas películas. El error fue que rechazó papeles mucho mejores. Las películas malas de Brando son las de sus últimos años, en los 90, que dan vergüenza ajena, incluso a él.

Sin embargo, Queimada suponía su papel ideal: denunciar el feroz colonialismo y defender la igualdad de derechos entre blancos y negros. Al frente, un director al que admiraba por su trabajo en "La batalla de Árgel", Gillo Pontecorvo. Pero el rodaje, como en varias de las películas de Brando, fue tortuoso. Sus enfrentamientos y su falta de entendimiento (no hablaban el mismo idioma) con Pontecorvo eran constantes, Brando se quejaba que directamente le hacía recitar pasajes del "Manifiesto Comunista" de Marx, y, como era habitual en él, quería darle su particular interpretación, ante la negativa del director, con lo que las escenas se rodaban una y otra vez hasta obtener el resultado que Pontecorvo pretendía. Brando se amontinó hasta que a todo el equipo de rodaje se le diera la misma comida, y no a los actores blancos mejor que a los negros, lo cual no tenía sentido en una película que denuncia precisamente eso. Previa huída a Los Ángeles, Brando regresó al rodaje con la promesa de Pontecorvo de que todos serían tratados por igual. A todas estas disputas, hay que añadir el calor insoportable de Colombia, donde se rodó la mayor parte de la película, lo que provocó que acabarán de rodarla en el norte de África. Pero no todo fueron malas noticias, porque como en Brando era habitual, se lo pasó de lo lindo con las mujeres autóctonas durante el rodaje.

A pesar de todas las desavenencias, el resultado fue una historia potente y una magnífíca actuación de Brando, para él la mejor de su carrera, aunque en algunas fases la película parece estar torpemente montada y rodada con mano temblorosa. Tampoco Ennio Morricone acierta con la banda sonora.

Rodada en gran parte en Colombia y producida por Alberto Grimaldi, "Queimada!" es una rara mezcla de cine político y de aventuras con el plus de contar con un ícono como el inmenso Marlon Brando en el pico de su carrera.

"Si usted quiere sólo sexo, ¿qué cuesta más, mantener a una esposa o contratar el tiempo que usted quiera a una puta?". Así de expresivo se mostraba Sir William Walker (un magistral Brando), mercenario inglés llegado a la isla caribeña de Queimada en busca de la abolición de la esclavitud. Detrás, una potencia colonial en declive, Portugal, que controla la isla a su antojo y, en consecuencia, la producción de azúcar. Walker, al servicio de Inglaterra, formará un ejército revolucionario con José Dolores como cabeza visible, para destronar del poder a los portugueses. Dolores será el nuevo gobernante y, traicionando su ideal, admitirá la llegada de la civilización inglesa. Pero las revoluciones suelen ser traicionadas y una gran vuelta de tuerca vuelve a traer a la isla a William Walker, esta vez con un propósito diferente.

El film es una de las grandes gemas del cine político, muy entretenido, con mucha acción y excelentes escenarios naturales. Genial reflejo del paso del mercantilismo al capitalismo, de la esclavitud gratuita a la seudo-esclavitud asalariada. Una historia profunda y humana que ofrece también una valiosa reflexión sobre que la unión hace la fuerza y, sin embargo, la falta de una clara conciencia política puede hacer que esa fuerza se quede en nada.

Un gran y olvidado film de Pontecorvo, aquel director que supo convertir el cine político en arte, y viceversa.

Trailer:

Calificación: 5 de 6.

Reflexiones en torno a “Ciudadano Kane” (Reflections on "Citizen Kane")

Reflexiones en torno a “Ciudadano Kane"

Es probable que después de todo los árboles sigan sin dejarnos ver el bosque y que definitivamente nos hayamos olvidado ya de que en el fondo Ciudadano Kane no es más que la historia de un niño al que un buen día le arrebatan su infancia. Si como dijo el otro, ésta, la infancia, es el verdadero paraíso del hombre, Orson Welles no pudo escoger mayor tragedia para hacer su debut como narrador de historias en la gran pantalla. La calificación casi sistemática de Ciudadano Kane como La película, el mejor film rodado jamás, es un hecho que siempre ha jugado en contra de esta formidable opera prima y que anda desde luego muy lejos de beneficiarla. No es una buena táctica acercarse a esta obra de arte con el temor casi reverencial que su sola mención inspira, como una reliquia cuando en realidad se trata de una obra tremendamente viva. Fracasarán quienes se aproximen a este film desde una postura academicista tal y como fracasó el voluntarioso Thompson al presuponer en todo momento que detrás de Rosebud se escondía algo así como un complejo e indescifrable teorema matemático. El peligro de considerar que una palabra pueda resumir por si misma la vida de un hombre es tanto como el de pretender que ciento veinte minutos de película y de celuloide condensen por si solos las poco más de once décadas de historia del cine.

Para muchos la primera película de Welles supone la primera muestra y los primeros destellos de su genialidad; para otros poco menos que la bravata de un advenedizo que con 25 años se propone cambiar el rumbo del arte cinematográfico con una obra faraónica y grandilocuente. Es por eso quizá por lo que a algunos les resulta una película sumamente antipática, por su falta de humildad tratándose de una primera película que se atreve a abordar nada menos que una cuestión tan compleja como la de la vanidad humana. Soy el primero en observar detrás el virtuosismo de Welles cierta pose narcisista que le lleva a una tendencia al exceso a lo largo de toda su obra, pero también soy el primero en decir que bendito narcisismo y benditos excesos. Lo que hoy asumimos ya como tópicos en su día fueron notables hallazgos visuales y narrativos que suponían un antes y un después en el devenir del llamado Séptimo Arte. Aun siendo todavía objeto de enormes controversias entre quienes se supone entienden de esto, Ciudadano Kane sigue siendo esencialmente la película de los críticos; de ahí su omnipresente aparición en todas las listas y rankings de mejores películas de la Historia que en el mundo son desde el año de gracia de 1.941. Hoy en día la pregunta de si la opera prima de Welles es la mejor película de todos los tiempos parece totalmente superada. Al menos para quien esto escribe siempre lo estuvo y creo que ya he esgrimido mis razones al respecto en el párrafo anterior. Además ¿cómo iba a ser ésta la mejor película de la Historia si su director llegó a confesar en alguna ocasión que ni siquiera se trataba de su mejor film?

Intentar abarcar en unas pocas líneas el sentido de una obra de la magnitud de ésta resulta francamente imposible. Rosebud es evidentemente la columna que vertebra la película, aunque para otros la clave del film se oculta en el plano que lo abre y lo cierra y que nos muestra un cartel que cuelga de una de las verjas del palacio de Xanadu con el epígrafe "No tresspasing" (No pasar). Xanadu sería aquí una representación del cerebro humano y el cartel en realidad una invitación a no intentar adentrarse en los misterios de la mente. Quien sí se adentró y mucho en los misterios de la película fue lógicamente William Randolph Hearts, verdadero blanco de las críticas de Welles, para quien Rosebud no era precisamente una inscripción grabada en su trineo. Al verse reflejado en el personaje de Kane, el famoso magnate de la prensa norteamericana puso el grito en el cielo e hizo todos los posibles porque la película de Welles no llegase finalmente a los cines. La apasionante biografía de Hearts y de su trasunto Kane da pie a que en la película se aborden argumentos tan interesantes como el del poder de la prensa (a partir de Hearts es cuando realmente se habla de "cuarto poder"), los intereses creados de la política o la corrupción. Nunca podremos agradecerle lo bastante a Mr Hearts que inspirase un personaje tan fascintante como el de Charles Foster Kane.

Pero si fascinante resulta ser el personaje de Charles Foster Kane no lo es menos es de su íntimo amigo Leland, el crítico teatral al que da vida magníficamente Joseph Cotten. Y es que una nueva tragedia subyace en esta historia a todas las ya citadas, la dificultad para mantener la integridad y los principios a lo largo de toda la vida, máxime si esta vida se desarrolla entre el oropel y la pompa. Leland es quizá junto a Emily , la primera esposa de Kane, el único personaje del film que parece mantener de principio a fin esa integridad (todos los demás acaban vendiéndose por un plato de lentejas) aunque paradójicamente al final tenga que refugiarse en el alcohol para salvaguardarla. Se diría que, a pesar de que el film se estructura en torno a la narración de la vida de Kane a través de varios personajes, es el personaje de Cotten quien verdaderamente nos cuenta la historia del protagonista. Leland no juzga, se limita a observar para que el tiempo sea el que acabe dictando sentencia. No juzga, pero es él quien hace saber en momentos puntuales a su antiguo amigo que se ha quedado solo y que el mundo de cristal que ha construido en torno a si mismo se desmorona. Primero inconscientemente obligándole a completar la devastadora crítica en contra del debut y del fiasco operístico de Susan Alexander; después, ya de manera consciente enviándole a su propia casa la carta con la declaración de principios que Kane firmó en sus años de juventud. Y pone realmente realmente los la última escena en la que aparece, perdiéndose lentamente en el pasillo de la clínica escoltado por las dos enfermeras rumbo sin duda al olvido. Porque de eso, del olvido es de lo que nos habla Ciudadano Kane, de cómo los objetos que nos sobreviven subrayan nuestra condición efímera y de paso. La última escena del film remite a la imagen del faraón egipcio enterrándose en la pirámide junto a sus riquezas, aunque en este caso, la única "riqueza" de la que fue privado Kane en vida desaparece con él. Todavía sobrecoge ver cómo las señoriales grafías de la palabra Rosebud van desapareciendo poco a poco fundiéndose lentamente entre las paredes del crematorio. Así es Kane, una obra viva capaz aún hoy día de sobrecogernos, pese a que algunos se obstinen en arrinconarla como mera pieza de colección o de museo.

True Crime (Ejecución inminente) - (1999) - (Director: Clint Eastwood)

Ejecución inminente

Título original: True Crime

Año: 1999

Duración: 127 min.

País: Estados Unidos.

Director: Clint Eastwood.

Guión: Larry Gross, Paul Brickman, Stephen Schiff (Novela: Andrew Klavan)

Música: Lennie Niehaus.

Fotografía: Jack N. Green.

Reparto:

Clint Eastwood, Isaiah Washington, James Woods, Denis Leary, Lisa Gay Hamilton, Diane Venora, Bernard Hill, Michael McKean, Michael Jeter, Mary McCormack, Graham Beckel, Lucy Liu, Penny Bae Bridges, Hattie Winston, Francesca Fisher-Eastwood, Frances Fisher, Erik King.

Género: Thriller.

Sinopsis:

Steve Everet es un periodista de investigación, alcohólico y mujeriego impenitente, lo que influye en su trabajo y en su consideración profesional. Se le presenta una ocasión de regenerarse: le encargan que cubra la inminente ejecución de un condenado a muerte, una historia que le parece rutinaria. Su instinto periodístico le advierte, sin embargo, que hay allí algo más que la rutina. Comprueba los antecedentes del condenado, Frank, y analiza los detalles del robo con homicidio en una tienda, por el que fue detenido. A medida que conoce los hechos, se va convenciendo de la inocencia de Frank y busca a contra reloj pruebas para demostrarla. Pero tiene que hacerlo antes de 12 horas o morirá.

COMENTARIOS:

Para compensar el fracaso en taquilla de ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ (‘Midnight in the Garden of Good and Evil’, Clint Eastwood, 1997), director y Warner decidieron hacer un film de género, esta vez protagonizado por la estrella, con vistas a atraer a un mayor número de público a las salas. El proyecto elegido fue la adaptación de una novela de Andrew Klavan que versaba sobre la condena a muerte de un inocente. Así pues Eastwood se sumaba a la moda de películas que denunciaban, cada uno a su modo, esa lacra tan grande en el sistema judicial estadounidense, que inundaban las carteleras de medio mundo en aquellos años. Desde las visiones personales de Tim Robbins, hasta James Foley o Bruce Beresford, con irregulares resultados los segundos, hasta llegar al mismo año del film que nos ocupa con la muy celebrada ‘La milla verde’ (‘The Green Mile’, Frank Darabont, 1999), el cine se hacía eco de algo que Eastwood trató con extrema sutileza pero con resultados contundentes.

Un periodista ex-alcohólico y mujeriego (Eastwood) acude a la cárcel de San Quintín para entrevistar, el día de su ejecución, a un joven de color (Washington) acusado de haber asesinado a una chica embarazada... Es una película menor en el cine de Eastwood, y de evidente vocación comercial, pero detrás de ella se esconde todo un notable ejercicio de rigor y dignidad cinematográfica. Eastwood denuncia la pena de muerte no por ser absolutamente innecesaria sino porque viene respaldada por un sistema judicial titubeante y arbitrario, y sobre todo, porque se hace de ella un gratuito y morboso espectáculo frívolo, cuando se pone en juego la vida de alguien. Y otra vez, Eastwood compone otro admirable personaje: un tipo ante su última oportunidad, la que deja el sabor acostumbrado al perdedor que aún ganando, siempre pierde, incrementándose solo su escepticismo y, eso sí, quizás sus escasas convicciones (in)morales. Buenas interpretaciones, es un film tan modesto como ejemplar por todo tipo de razones, continuación coherente de una admirable madurez humana, vital y creativa.

El ritmo del film es absolutamente endiablado, y cada dos por tres se nos da detalles del tiempo que falta. Eastwood lleva hasta el límite el tempo y en un alarde de inteligencia juguetea con el mismo hasta sus últimas consecuencias. No sólo en el instante en el que le notifica a su jefe —maravilloso James Woods, en un personaje caramelo que posee los mejores diálogos del film, añadiendo una comicidad a la historia que recuerda a Howard Hawks y que en ningún momento resulta forzada a pesar de la seriedad de la trama— sus creencias sobre la inocencia de Beechum, y que en cierto modo representa una posible última cruzada para redimirse de sus errores del pasado. También en el angustioso tramo final, y que concluye con un impactante plano cámara lenta de la mujer del acusado golpeando el cristal tras el cual su marido, inocente, muere a manos de la justicia. El verdadero final de la historia, al que prosigue un epílogo de corte fantasioso, irreal y cargado de ironía.

Viendo ciertas partes de esta película llegué a la conclusión de que Clint Eastwood es posiblemente la última gran presencia en el cine. Y no me refiero por su manera de interpretar (que también) pero sí a algo innato en su físico o en su perenne personaje que tiene un no sé qué propio de aquellos papeles interpretados por Bogart o por el mejor John Wayne. Y es que Eastwood es por muchos motivos el último gran clásico del cine y comparte con actores como Nicholson, De Niro, Pacino y muchos otros el amor por el cine y la dedicación a su trabajo.

Sin duda, no es la mejor película de Eastwood, pero como otras obras suyas como "Poder absoluto", "Deuda de sangre" o "Space cowboys" tiene momentos de más calidad que muchas filmografías completas de otros directores. Esta es una película para pasar un buen rato y ver a un hombre que ha hecho mucho por el cine y que esperemos que lo siga haciendo.

Una muy buena película, en resumen, no te deja indiferente el tema, y demuestra que Eastwood mejora con los años (gracias a dios que ya no hace películas infumables del estilo de aquellas del orangután), y que no le importa tocar en sus películas temas que no son agradables o fáciles de digerir. Aunque esta película no sea una de sus mayores obras, es entretenimiento puro y duro. Con toques de humor que se agradecen. Al igual que se agradecen los filmes casi anuales de este gran director.

Trailer:

Calificación: 3 de 6.

Point Blank (A quemarropa) - (1967) - (Director: John Boorman)

A quemarropa

Título original: Point Blank

Año: 1967

Duración: 92 min.

País: Estados Unidos.

Director: John Boorman.

Guión: Alexander Jacobs, David Newhouse, Rafe Newhouse (Novela: Donald E. Westlake).

Música: Johnny Mandel.

Fotografía: Philip Lathrop.

Reparto:

Lee Marvin, Angie Dickinson, Keenan Wynn, John Vernon, Carroll O'Connor, Lloyd Bochner, Michael Strong, Sharon Acker, James Sikking, Sid Haig.

Género: Thriller.

Sinopsis:

Walker es traicionado por su mejor amigo, Reese, después de dar un golpe de muchos miles de dólares perpetrado mientras se lleva a cabo una transacción mafiosa en la deshabitada isla de Alcatraz. Además, después de ser dado por muerto, el traidor se va con Lynne, la esposa de Walker. Pero éste no ha muerto y con decidida furia buscará vengarse de su agresor para recuperar los 93.000 dólares que le debe. Contará con la ayuda de su bella cuñada, Chris (Angie Dickinson). Sin embargo, tras el dinero robado opera una importante organización...

COMENTARIOS:

El director británico John Boorman se inició en el mundo del largometraje en 1965 con una película documental a mayor gloria de la banda de pop The Dave Clark Five, en un ejercicio bastante de moda en aquellos tiempos que seguía el patrón marcado por Richard Lester para su conocida colaboración con los Beatles en "¡Qué Noche la de Aquél Día!". Para su primer trabajo serio de ficción Boorman cruzaría el charco dos años después para rodar en EEUU y tener al frente de las cámaras a un actor de la talla de Lee Marvin en la fascinante obra de cine negro que supone "A Quemarropa", de la que incomprensiblemente no se suele hablar demasiado. 

La carrera de Boorman ha continuado hasta nuestros días con otros largometrajes conocidos pero probablemente sus dos hitos más importantes lo forman "Deliverance" (1972) y "Excalibur" (1981). La primera supone el viaje al corazón de las tinieblas que emprenden cuatro amigos de Atlanta cuando deciden ir a pasar un fin de semana al río Cahulawassee en las montañas del estado de Georgia. La naturaleza salvaje y los aldeanos del lugar les llevarán a luchar por su propia supervivencia en una cinta cuyas imágenes icónicas son el descenso del río en canoa y a John Voight empuñando su arco de tiro olímpico para defenderse mientras Burt Reynolds cree haberse convertido en el último guerrero americano vivo. Por su parte, "Excalibur" es probablemente la mejor película realizada sobre las leyendas del rey Arturo y sus caballeros. A pesar de que existen varias perspectivas diferentes desde las que abordar la historia, Boorman apostó en esta ocasión por la vertiente más legendaria y con abundancia de elementos sobrenaturales, consiguiendo una poderosa obra asociada ya para siempre a los coros del Carmina Burana de Carl Orff.

Basada en la novela "The Hunter" del escritor y novelista norteamericano Donald E. Westlake quien la escribió bajo el pseudónimo de Richard Stark, la película, todo un exponente del cine de calidad es una firme heredera del film noir y la novelle vague francesa con algunos de los toques más característicos que marcaron el importante movimiento cinematográfico francés, a saber; escenarios fuertemente iluminados con colores vívidos, fuerte componente de tensión psicológica, complicados flash-backs narrativos, súbitos cambios de ritmo y eficaces efectos sonoros a parte de las aportaciones del propio Boorman.

"A Quemarropa" supone un caso bastante insólito dentro del cine negro, ya que tiene la factura de película de autor europeo con un estilo narrativo absorbente lleno de elipsis, metáforas, recuerdos y estructura fragmentada. Walker (Lee Marvin) es un ladrón de grandes sumas de dinero que un día es traicionado por uno de sus mejores amigos en el transcurso de un golpe en la cárcel abandonada de Alcatraz. Tras sobrevivir a múltiples heridas y dado por muerto, años después se le presenta la ocasión de seguir su rastro para vengarse y recuperar parte de aquél botín. Walker es un hombre imperturbable que probablemente se dejó mucho más de lo que parece en esa fría isla, y su caza no parece motivada solo por el dinero o los sentimientos, sino por la inercia misma de toda su vida. Su antiguo compañero pertenece ahora a una opaca organización criminal en la cual Walker consigue internarse gracias a información privilegiada que le suministra un topo de la misma, pero en su misión va a arrasar con todo lo que se le ponga por delante llegando incluso a destruir los mismo pilares del grupo. Esto se resume en que lucha él solo contra todo y contra todos, sin importarle las consecuencias.

La narración adquiere un tono crispado, alucinante, tenso y perturbador. Hace uso de cuidados cambios de ritmo, efectos sonoros inquietantes (gritos de una mujer que se superponen a los de una canción), un nivel de violencia superior al habitual en el momento del estreno, escenas hirientes de sexo, imágenes urbanas desoladas, saltos de tiempo hacia delante y hacia atrás, cambios súbitos de ubicación, repeticiones de imágenes, etc. Añade una admirable descripción de ambientes y una construcción sólida de caracteres. Los diálogos son concisos, cortantes y estilizados. Walker deviene uno de los tipos más duros, crueles y despiadados del cine americano.

Con una estética muy similar a las primeras entregas de la saga de James Bond y una más que evidente similar estética al "Código del hampa" de Don Siegel a parte de su misma pareja de protagonistas 3 años antes, Lee Marvin y Angie Dickinson.

Con música de Johnny Mandel y una espléndida fotografía en color a cargo de Philip Lathrop, son muchos los fotograma iconográficos que nos brinda esta estupenda cinta sobre violencia urbana, venganza, celos, honor y lealtad en mitad de tanta falsedad... una obra también de obligado visionado para comprender parte del significado del inminente cine setentero aún por llegar y con tanta influencia en los 90.

En resumen, el film suma crimen, gángsters, cine “neo-noir”, drama, acción, suspense, misterio y thriller. Desarrolla una historia vigorosa de venganza a toda costa entre malhechores, que se inscribe en la tradición del cine negro americano. El relato incorpora una mujer fatal, personajes atormentados, deslealtades personales, traiciones, caracteres oscuros y sombríos, ambientes angustiosos, antihéroes, etc.

El personaje de Walker es genial, frio y obsesionado con la venganza no duda en pasar por encima de quien sea para conseguir su dinero. Excelente película de principio a fin.

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Calificación: 4 de 6.